DTMを始めるためには、音楽制作ソフトであるDAWソフトが必要になります。

DAWソフトには、Cubase、Logic pro x、Studio One、Pro tools、ableton live、FL STUDIOなど様々なものがあります。

そのDAWソフトを使用するために、どうしても必要となるのがPCです。

PCの種類は大きく2つに分かれます。

WindowsとMacです。

基本的に、どちらのPCでも音楽制作を行うには問題ないでしょう。

あとは、困ったときに相談できる友人、仲間と同じPCが、DTMを始めるハードルを下げてくれるかもしれません。

この記事が役立つ人：

• DTM初心者の人
• どのPCを購入しようか迷っている人
• DAW選びで迷っている人
• PC音痴だと感じている人

1.DTMを始めるためのPCスペック

１つ目のＰＣからいきます。

現在の音楽制作においては、ＯＳがWindowsでもＭａｃのどちらでも、性能的にそれほど大差がないので、自分が使いたいと思うＤＡＷソフトに合わせて、選択するといいと思います。

ちなみに、僕の場合ＯＳはWindows７をメインに使用しています。

あとは音楽制作するためのＰＣスペックが重要になってきます。

以下に、２０１４年現在での音楽制作を始めるにあたっての、理想的なスペックを紹介しておきます。

ＣＰＵ＞Core i7 or Core i5

メモリ＞8GB以上

ＨＤＤ＞ＯＳ領域がＳＳＤ２４０ＧＢ以上、データ領域が１ＴＢ以上

グラフィック＞できればNVIDIA GeForce等のデュアルモニタ対応グラフィックカード

ディスプレイ＞２３インチ以上のモニターを２台

もちろん、このスペックはあくまで快適に音楽制作を進めていくためのものであって、これを満たさないからといって、音楽制作が難しいというわけではありません。

2.DTMにおすすめなPCとは？

上記でのPCスペックを踏まえた上で、初心者が選ぶとしたら国産PCかMacがおすすめかと思います。

また、PCを選ぶ際は、自分の目指す音楽性によって扱いやすいDAWソフトも変わってくるため、PC選びとDAW選定は切っても切れない関係にあります。

例えば、国産PCでわりと評判が良いのが、マウスコンピューターのPC。

ゲーミングPCをはじめ、クリエイター向けの構成のPCも豊富にラインナップしていて、予算と合わせても選びやすいかなと思います。

クリエイター向けブランド 「DAIV」 TOP

２４時間電話サポートなど、PCに不慣れな方でも、気軽にサポートを受けられる体制が整えられているようで、とても心強いですね。

DTMを始めるのにおすすめなお手頃フルスペックノートPCをレビュー！

マウスコンピューターm-Book Kシリーズm-Book K700SN-M2SH2をDTM視点からレビューしています。コストパフォーマンスの高いDTM用ノートPCとして、一つの選択肢に入るのでしょうか？

www.trackedmusic.com

2021.05.05

3.EDMに適したDAWソフトとは？

関連記事：DTMer初心者こそ無料フリーソフトDAWを選んではいけない！２つ目のＤＡＷソフトですが、これがまたピンからキリまであるので、選び方のコツをお伝えしていきます。

まず、大きく分けてＤＡＷソフトは２種類に分類することができます。

１．ワークステーション型

と

２．ＤＪトラックメイク型

基本的にどちらも結果的に同じことができるのですが、それぞれ操作的なところでスムーズさが異なってきます。

１．ワークステーション型の代表的なDAWソフト

１台でオールラウンドにＭＩＤＩの打ち込みから、歌や楽器のレコーディングまで、音楽制作の全工程を緻密に編集することができます。

操作感としては、ひとつひとつの機能がきっちりしていて、音楽知識やレコーディング知識をベースに音を構築していくイメージです。

代表的なＤＡＷとしては、

Apple Logic Pro X

メインPCはMacを使っているという方はお馴染み「Logic Pro X」です。

MacでDTMを本格的にはじめようと思ったら、まず名前が挙がるDAWかと思います。

Apple純正DAWソフトなので、安定して動作もスムーズで、操作性もMacOSらしく直感的にクリエイターのイメージを具現化しやすいです。

Logic Pro X – Apple

steinberg CUBASE PRO 9

現在、日本でナンバー１シェアを誇るDAWです。

知り合いにDTMerがいたら、かなりの確率で「Cubase」を使用している可能性が高いです。

ユーザーが多いということは、トラブルシューティングの実例も多くなるので、なにか困ったときに解決例を見つけやすいです。

なので、DTMビギナーにオススメなDAWになります。

AVID Pro Tools

音楽業界標準DAWです。

業務スタジオのほとんどに導入されています。

バンドマンなどで、今後、スタジオレコーディングも行って、音作りは自宅でじっくり進めたい！みたいな人には必須になってきます。

最近は、かなり打ち込み機能も充実してきましたが、どちらかというとレコーディングソフトの感覚が強いです。

ただし、サウンド編集機能はほんと強力です！

CAKEWALK SONAR PLATINUM

残念ながら、2017年11月17日に開発終了がアナウンスされてしまいましたが、Windowsでは老舗DAWソフトです。

しかし、現在はシンガポールのBandlabに買収されたことによりCakewalk by Bandlabとして、サービスが継続されています。

 PreSonus Studio One

初期のCubaseの開発者であったヴォルフガング・クンドゥルス氏が生み出したDAWです。

後発のDAWなだけに、初心者にもとっつきやすい洗練された作りになっています。

無料体験版であるSTUDIO ONE PRIMEだと、ASIO非対応、VST非対応なのが惜しいところです。

これら以外にもいくつかＤＡＷソフトがありますが、使用されているシェアとしては、ここら辺が多いのではないかと思います。

２．ＤＪトラックメイク型の代表的なDAWソフト

こちらは上のＤＡＷ達よりも、より直感的な操作性に重点が置かれた作りとなっています。

制作スタイルとしては、頭の中で曲を練って楽曲として構築していくというより、思いついたリズムやフレーズを再生させながら、どんどん付け加えていって、ノリ重視で楽曲にまとめていくというような流れになります。

代表的なソフトは、

ableton Live 9

DJ兼トラックメイカー御用達DAWです。

とにかく音ネタをサンプリングしてからトラックとして組み立てるまでのプロセスがメチャクチャ速いです！

ImageLine FL STUDIO 20 

実は、海外音楽情報サイト「MusicRadar」の2017年「世界で最も優れたDAW」アンケート結果で堂々1位に輝くというEDM制作では人気のDAWです。

多くの海外トップDJによるトラックメイクに使用されています。

とにかくトラック制作を直感的にビシバシ進めていきたい！という人に超オススメDAWです！

特に最近のＥＤＭクリエイターがこぞって使用することが多いのが、Ableton Live。

専用ＭＩＤＩコントローラーも豊富にリリースされていて、ほとんど画面を見なくても、トラックメイクできてしまうほどです。

関連記事：EDM作曲定番ソフト　FL STUDIO　12.5が公式リリースされました！オススメ機能の紹介！スポンサーリンク

EDM での作曲　トラックメイクに必要なものと主要なDAW紹介　まとめ

DAWには大きく分けて、ワークステーション型とDJトラックメイク型があって、オールジャンルで音楽知識に基づいて、じっくり音楽制作を進めたければ、ワークステーション型。

直感的にビシバシと音楽制作を進めていきたい場合は、DJトラックメイク型を選択すると作業がとてもスムーズではないでしょうか。

どうしても始めはわからないところからなので、自分に合うDAWはどれかスゴく悩むと思います。

しかし、ほとんどのDAWソフトは体験版ダウンロードなどが用意されていたりするので、事前に操作の具合も確認できると思います。

これから音楽制作の右腕となってくれるDAWソフトなので、本当に自分が使いやすいものに出会いたいですね！

次回、EDM での作曲　トラックメイクに必要なもの②では、３つ目のオーディオインターフェースから続きを紹介していきます。

※以下の興味のある記事カテゴリーもぜひご覧ください♪

• DTM入門講座
• ＤＴＭでのEDM音楽制作
• VSTプラグイン
• 音楽雑学
• ＭＩＤＩ検定合格のコツ
• 自宅ボイストレーニングのコツ
• ブログ運営の備忘録
• 記事一覧

音楽を作るためには、音楽の基本的な構造を抑えておくと何かと便利です。

そこで、今日は「音楽の3要素」についてお話していこうと思います。

１．作曲するなら、ぜひとも覚えておきたい「音楽の3要素」とは

音楽の３要素とは、

メロディ
ハーモニー
リズム

の３つのことを言います。

この３つは、音楽が楽曲として成立するために、最低限必要なパーツになるということです。

２．メロディ・ハーモニー・リズムを細分化すると作曲が解る

さらにこの３つを細かく見ていくと、音楽つくりに必要な知識が明らかになります。

メロディ＝音程+リズム（+歌詞）＝曲のメッセージ・テーマ

メロディライン＝音程+リズムということになります。

ハーモニー＝コード進行+リズム＝曲の雰囲気

リズム＝テンポ、拍子、ジャンル

メロディ、ハーモニー、リズムそれぞれに、担当する音楽パーツが決まっていることになります。

これら３つの組み合わせで作曲することができ、これらを元にアレンジが施されていくという流れになります。

この音楽の３要素は音楽に関わり続ける限り、至るところで役に立つものなので、ぜひ覚えてしまいましょう！

３．作曲するということは「リズム」から逃れることはできない

作曲というと、ほとんどの人が「ドレミ」の音楽理論を覚えなきゃ!

みたく捉えているかもしれませんが、

作曲でもっとも重要なのは、リズムです！

音楽の３要素をみても、全ての要素にリズムが絡んでいるのが明らかです。

ということは、作曲上達の近道はリズムにあるのです。

４．リズムは「とんかつ・カツ丼・おてんば・ジーンズ」

いろんなリズムパターンに慣れるコツは、

リズムを読むこと

ひとつコレを覚えておくと、ハンパなく応用が効くリズムパターンがあります。

それが、

「とんかつ・カツ丼・おてんば・ジーンズ」

なのです。

楽譜でみてみるとこんな感じです。

それぞれ、音符の種類が２倍か１/２かの関係で、リズムの読み方はほぼ同じなのです。

さらに、任意の音符を休符に替えて、鳴らさなかったりするとバリエーションがドーンと増えます。

今まで聴いてきた音楽は、これらの組み合わせで作られていると言っても過言ではないくらいです。

リズムトレーニングも大事！

リズムパターンのバリエーションを多く持っていることは、作曲することにおいて大きなアドバンテージになります。

そのためにもリズムトレーニングはとても大事です。

リズムトレーニング教則本は、引き出しを増やすのに最適です。

様々な音楽ジャンルのリズムパターンを知ることによって、新しいアイデアも湧いてきます。

貪欲に多くのリズムパターンに触れていきましょう！

５．DTMなら「とんかつ・カツ丼・おてんば・ジーンズ」リズムからメロディを作曲してみる

①BPM（曲のテンポ）を決める

はじめに曲のテンポだけは、おおよそでいいので決めておきましょう。

目安として、

BPM60～80　スローテンポでバラード向き

BPM90～110　ミドルテンポで適度にノリが良い

BPM120～　アップテンポでタテノリ、EDMだとBPM128が多い

曲のテンポによって、曲全体の雰囲気やノリが決まってくるので、テンポの目安を参考にいろいろな曲を研究しましょう。

②一定のピッチで、リズムを入力する

ピアノロール画面を開いて、「とんかつ・カツ丼・おてんば・ジーンズ」を任意で組み合わせて、とりあえず一定の音の高さで入力します。

なぜ、音の高さを一定にするかというと、メロディの元になる「ノリ」を見つけやすくするためです。

この段階で、同時に音の高さの動きも見つけていこうとすると、混乱しやすいです。

③Keyを設定して、その音階内で音を上下する

ある程度、リズムが決まったら、タイミングをずらさないように、ノートを上下してずらしていきます。

あらかじめ曲のKeyは決めておきましょう。

とりあえず、CメジャーKey（ハ長調）でわかりやすいかと思います。

DAWソフトによっては、Keyのルートノート（主になる音）を決めて、スケールを選択して、音階上にスナップ（グリッドに吸着）させる機能があったりします。

注）僕が使用している、CAKEWALK SONARには「スケールにスナップ」機能が搭載されていました。

６．まとめ

作曲に慣れていくには、最初は可能な限り音楽的パーツを分解して、組み合わせの引き出しを増やしていくことが最善です。

ある程度、音楽的な引き出しが増えてくると、フレーズのノリとか動き方がイメージできるようになってきます。

慣れないうちは作曲はとても大変ですが、DAWによっては便利な作曲支援機能が充実していたりします。

たまにマニュアルやヘルプを眺めてみるというのも、便利機能を見つけるのに有効です。

「とんかつ・カツ丼・おてんば・ジーンズ」のアイデアはこちらの教則本からご教授いただきました。

最近「トラック」という言葉を音楽シーンのいたるところで聞かれます。
あまり耳になじみの無いかたもいると思いますので、はじめに説明しておきます。

１．音楽用語として使われる「トラック」とは

昨今、クラブミュージックというものが盛り上がってきて、一般化してきた言葉「トラック」でありますが、「楽曲」のことをあらわしています。

ただし、同じトラックという呼び方で、陸上競技の用語としても使われていますが、元をただせばここからきた言葉です。

１００Ｍ走とかって、選手たちは白線でわけられた自分のコース内を走っていきますよね。

音楽ＣＤなりを制作する場面では、さまざまな楽器をレコーディングしていきます。

楽器パートごとに、同じ時間軸上へ平行して複数の音を録音していくのです。

このようなことから、出来た楽曲を「トラック」というようになったのです。

関連記事：EDMの作り方　初心者向けトラック制作手順概要(DTM全般対応可)

２．AUDIOトラックとMIDIトラックは全く意味が異なる

これから皆さんはＰＣを使ってＤＴＭというものを用いて音楽をつくっていくのですが、たびたびトラックというものが登場してきます。

まず、確実に登場するのがＭＩＤＩトラックとＡＵＤＩＯトラックです。

よく意味を混同しがちな方もたくさんいらっしゃいますが、しっかり区別して理解しておきましょう。

関連記事：DTM作曲に活かす作曲本の決定版！一発で記憶に残る曲を作る！９つのルールとは？！

３．ＭＩＤＩトラックとは、主に演奏のさせ方、つまり楽譜の演奏情報を記録していくものです。

どのタイミングでどの音程を鳴らすかという具合ですね。

これをピアノロール画面などで、打ち込みしていくことが基本になります。

MIDI演奏情報を記録するのがMIDIトラックです！

代表的なMIDI演奏情報をいくつか紹介していきます。

ノート＝音符

デュレーション＝音符の長さ

ベロシティ＝演奏する強弱

ピッチベンド＝連続的なピッチ変化を調節する

コントロールチェンジ＝音色変化、サスティンペダル、エフェクト量などMIDI音源に対して、様々なコントロールを行う

この他にも、多くのことがMIDI演奏情報を使って、演奏を制御することができます。

関連記事：DTMにおいて、そもそもＭＩＤＩとは？③

４．ＡＵＤＩＯトラックは「生音」を記録していくものです。

歌声だとかギターなどの楽器、生の演奏を記録していくところです。

AUDIOトラックへは以下のような方法で演奏を記録していきます。

マイク入力＝ダイナミックマイクもしくはコンデンサーマイク等を用いて、歌や楽器を録音する

ライン入力＝オーディオインターフェイスへライン接続して、電気楽器や電子楽器を録音する

サンプリングデータ＝サンプリング音源素材などからWAV形式等でインポートする

トラックダウン＝MIDIトラックで作成した演奏をソフトシンセを通じて、指定したAUDIOトラックへ書き出す

およそ上記４種類の録音方法に沿って、AUDIOトラックへ音源を記録していくことになります。

関連記事：DTM音楽制作のコツ　サンプリングテクニックを用いてトラックメイキングする

５．まとめ

基本的にトラック制作中は、AUDIOトラック、MIDIトラックのいずれかをいじっていくことが多くなります。

是非、それぞれのトラックの性質を理解して、スムーズに作業を進めていきましょう！

音楽制作の手法はたくさんありますが、今日紹介していくのはサンプリングのコツです。

クラブミュージックでは、サンプリングテクニックというのは、わりとメジャーなテクニックだと思います。

音楽制作をハードウェア主体で制作していた時代は、小さな液晶画面とにらめっこしながら、聴いた感じで気持ちよく使えそうな音素材をエディットしていました。

現在のトラック制作では主にDAWを用いて行われるので、DTM初心者でも視覚的に波形のエディットが行えます。

参考曲からサンプリングの基本概念をしっかり押さえて、よりイメージに近いサウンドを生み出していきましょう！

サンプリングとは、ある曲の一部を録音して、それを延々とループしたり、曲の一部分の素材として用いるテクニックです。

古今東西、多くのサンプリング曲があるので、ぜひ耳をそばだてて曲を聴いてみてください。

様々な曲でサンプリングが行われてるかと思います。

そんなのを気にかけながら、たまに音楽を聴いてみるというのも、

新たな発見があって面白いかもしれませんね！

１．最古のサンプリングミュージック　原点はHIPHOPです！

それでは、まず最古のサンプリング曲から紹介していきたいと思います。

ただし１５分弱あるので要注意です！

The Sugar Hill Gang – Rapper’s Delight

そして、元ネタです。

Chic – Good Times

どすか？このセンス。

ある曲のおいしい部分をこれでもかとループしつつ、さらにおいしいフレーズをぶつけていく！

というのが、サンプリングの醍醐味ですね！

２．世界中で使い倒された名曲！「Just the two of us」

つづいて、もう一本！

around the way really into you

そして、元ネタです♪

Grover Washington Jr – Just the two of us

うーーん♪どちらも素晴らしいですね！

サンプリングって相乗効果で曲同士の心地いい部分がアップしていく気がしますね。

もちろん、流通に乗せる楽曲だと、著作権というのも絡んでくるので、きちんとそこらへんもクリアにした上でですが。。

３．もちろん！元祖KING OF POPことMJもサンプリングされてます！

さて、もう一本いきましょう！

SWV – Right Here

そして、元ネタです。

human nature – michael jackson

モロ！って感じですが、これは元ネタへの愛情あふれる表現なのでしょうね！

４．日本人アーティストのサンプリングネタ

続いて、日本勢もいってみましょう！

クリスマス・イブRAP

いわずもがな、元ネタです。

クリスマスイブ　山下達郎

名曲中の名曲ですね！

つづいて、もう一本！！

そして元ネタ！

もうこの曲は、ジャパニーズＨＩＰＨＯＰクラシックの名曲ですね！

５．まとめ

サンプリングとは、過去の名曲の素晴らしさを再発見して、また新たにその曲の素晴らしさを再発見していけるようなものだと思います。

ぜひハートを揺さぶる曲に出会えたら、自分ならどのように再解釈するだろうと、サンプリングしてみるのもいいかもしれませんね！

みなさん音楽制作はいかがお過ごしでしょうか？

イメージ通りにトラックメイクできていますか？

今日はリアルなドラム打ち込みのコツをお伝えしていきたいと思います。

１．ベロシティにこだわる！

まずドラム演奏でリアリティを出すコツは、

とにかくベロシティにこだわるということです。

ノートのタイミングをずらしたりして、グルーブ感を出していくのはそのあとの作業です！

まずは、動画でどのようにエデイットしていくかを、

確認してみてください。EDM作曲のコツ　打ち込みでもリアルなドラムトラックの作り方の基本 By FL STUDIO

どうでしょう？

ノートをズラさなくても、ドラマーが叩いてる感が出てきたことないですか？

２．オモテ拍とウラ拍の強弱の付け方が重要！

基本はハイハットのオモテ拍、ウラ拍の強弱の付け方が、

肝になってきます。

はじめはキックとスネアはベロシティは特にバラけさせなくても、あまり影響はありません。

ベロシティの編集に慣れてきたら、より全体的なエディットに入っていけばいいと思います。

３．ゴーストノートでグルーブ感を増幅！

あとはスネアのゴーストノートを積極的に入れていくと、よりグルーブ感が増していきます。

ゴーストノートは、音が鳴っているのを、微かに聞こえるぐらいのベロシティで打ち込むことをいいます。

リズムパターンの尺としては、基本的に２小節パターンで考えていって、

その２小節周期で、若干ゴーストノートのタイミングをずらしたりすると、

さらに生ドラム感がアップします。スポンサーリンク

４．DTMでのリアルなドラムの打ち込み方について　まとめ

とにかく、リアルなドラムを聴かせたいと思ったら、まずベロシティのエディットに、

深くこだわっていってください。

量をこなしながら研究していくと、かならず自分の好きなノリというのがわかってくると思います。

それが、８ビートなのかもしれないし、１６ビートなのかもしれないし、

自分のノれるビート、好きな心地よいグルーブというのを見つけていってください。

ここが確立されてくると、音楽制作において、かなり自信がついてくると思います。

自分はドラムを叩いたことがわからないとかではなく、

打ち込みを通じて、世のドラマーが何をしているのか理解を深めていくという姿勢が、

ドラム打ち込み上達の秘訣だと思います！

むやみにスキップしようとせず、しっかり向き合って、ぜひ気持ちいいビートを生み出していきましょう！

今回はEDM音楽制作において、レイヤーを活用してサウンドに音圧を出す方法をお話していきます。

最近のソフトシンセですと、一台でも十分な音圧を出してくれるものもたくさん出てきました。

しかし、よりオリジナリティを持ったサウンドで音に厚みを出したいと思ったら、

複数のシンセをレイヤー（重ねて鳴らす）することにより、予期せぬ音色合成が生まれたりします。

１．シンセ音をレイヤーする理由

ＭＩＤＩが誕生した直後は、多くのキーボーディスト達が、こぞって複数のハードシンセサイザーをＭＩＤＩ接続して、

個性的なサウンドをたくさん生み出しました。

代表的なものだと、ピアノストリングスとかわかりやすいと思います。

バラードソングでピアノ伴奏が主体だけれども、ストリングスサウンドも混ぜたいみたいなことも、

ＭＩＤＩのしくみにより容易になりました。

それが現在では、ＤＡＷ上でＰＣ能力の許す限り無限にレイヤーできるのですから、

テクノロジーの進歩というものはスゴイですね！

さて本題に戻ろうと思いますが、複数のサウンドを重ねるときいくつかポイントがあるので、

いまから紹介していきたいと思います。

２．異なる波形をレイヤーする

シンセサイザーのオシレーターには音作りするためのいくつかの元波形がプリセットされています。

代表的なものは、

• サイン波
• ノコギリ波
• 三角波
• パルス波

などがあります。

ここではシンセリフやメロディを鳴らすパートとして考えていきます。

複数のシンセをレイヤーするときに、まず上記の波形のどれをメインとしたサウンドかを確認することが重要です。

同じ系統の波形を重ねても、マスキング効果といって、波形と波形が相殺されて、逆にサウンドが引っ込んだ感じになってしまいます。

異なる系統の波形だと、補完し合うのでよりサウンドが広がります。

なので、複数のシンセをレイヤーする場合、まずどんな元波形をエディットしたサウンドか見極めてください。

３．メインになるシンセを決める

１台のシンセでの音作りでもそうなのですが、まずメインとしてサウンドの土台とする音を決めます。

そして、できる限りその音のボリュームは触らないでください。

メインに重ねていくシンセ側のボリュームで音の混ざり具合を調整していくのです。

このやり方によって、音作りで迷うことがかなり減らせると思います。

もしどうしても気に入ったサウンドになっていかない場合は、もう一度始めから、

メインのシンセのサウンドを探すところからやり直してあげます。

この手順を続けていくうちに、どんなサウンドを混ぜ合わせるとイメージするサウンドに近づいていくか、

徐々にコツがつかめてくるようになります。

４．各シンセトラックをバスに立ち上げてリミッターをかけておく

これ以外と重要です。

ＤＡＷで音楽制作するにあたって、常に付きまとってくるのが「オーバークリップ」。

オーバークリップというのは、ヘッドルーム以上の音量が入力されることにより、

音が歪んでノイズが乗ってしまうことです。

特にデジタル化されたオーディオ信号を取り扱っているＤＡＷだと、それが起こると致命的です。

複数のシンセをレイヤーするということは、音量が足し算で増えていくことでもあるので、

オーバークリップが起こりやすい場面でもあります。

そこでオーバークリップを防いでくれるのが、リミッターです。

リミッターの役割は、音量の上限を設定して、どんなに大きな音量が鳴っても、その設定値以上いかなくすることです。

リミッターが効く状態でシンセをレイヤーしていって、もしも音が歪んできたら、

それはかなり音量が足し算されている状態になっています。

もしそうなったら、各シンセのボリュームを均等に-6ｄＢとか下げてあげます。

それで気持ちよくサウンドが混ざったらＯＫです。

とにかく、シンセをレイヤーしていく際はレベルメーターをまめにチェックしましょう。

５．EDM シンセをレイヤーして音圧を出す　まとめ

かなりざっくりしてますが、シンセサウンドのレイヤーとしては、ここら辺を意識して行っていくと、

逸脱し過ぎずに音作りを進めていけるのではないかと思います。

ぜひここで挙げた手法を活用して、あなただけのオリジナルシンセサウンドを生み出してください！

１．DTMで必要なオーディオインターフェイスについて

２．ＰＣでの音楽制作で定番オーディオインターフェース

３．Ｍａｃでの音楽制作で定番オーディオインターフェース

４．EDM での作曲　トラックメイクに必要なもの②　まとめ

今回はＥＤＭのビートの要であるキックのパンチの出し方について、お話していこうと思います。

１．オーバークリップに気をつける

最近のＤＡＷであれば、音楽制作においてかなり役立つプラグインエフェクトなどは、一通り揃っていたりするので、案外かんたんに音圧を出せたりすると思います。

そこで、ひとつ気をつけなければならないのが、オーバークリップです。

どうしても、デジタルで音を取り扱う上で、ネックになってくるのがオーバークリップです。

音がクリップして歪むと、それはなんともし難い耳障りなデジタルノイズが発生してしまいます。

これを防ぐためには、きちんとレベルメーターを0ｄＢに収めるということが必須条件になります。

しかし、それぞれのＤＡＷで0ｄＢを超えたとしても、ヘッドルームといって、すぐに歪まないように余裕を作っていたりもするので、

0ｄｂ超えたからすぐデジタルノイズに繋がるというわけでもありませんが、用心するに越したことはありません。

２．パンチのあるキックは音選びから始まっている

さて、パンチのあるキックの作り方ですが、まずは参考になる曲のキックを聴いて、どれくらい音圧や太さを感じるか確認してみてください。

これ、結構大事です。

とにかく目指すのは、リスペクトしているトラックのキックです。

できるだけそのキックの音に近づけるのです。

なので、キックの音選びから、すでにサウンド作りが始まっています。

最初に太いキックを選んでおかないと、いくら後からＥＱやらコンプやらかけても、もともとショボイキックはショボさが強調されるだけです。

音色ライブラリーからキックを選べるのであれば、まずは鳴らした瞬間に迫力を感じるものをチョイスしてください。

３．キックの低音感はサスティンで調整する

次にエンベロープでディケイタイムをいじれるようであれば、ディケイタイムを調整してみましょう。

キックの余韻の具合によって、キックの重さというか太さみたいなのが変化するのがわかると思います。

わかりづらい！という方は、とりあえず、わかるまで繰り返しいじくってみてください。

このディケイタイムの調整で、好みの重さになったら、次はＥＱでローエンドの周波数成分を、若干、カット気味にします。

これによって、次にかけるコンプの効き具合が良くなります。

ＥＱは基本的に１００Ｈｚ～２００Ｈｚの低音部分はブーストしません。

なぜかというと、そこはベースパートの帯域だからです。

最終的に立体的なミックスに仕上げるために、パートごとの帯域をきっちり住み分けることが重要です。

４．キックに対してのコンプレッサーの代表例

ＥＱ処理をしたら、コンプレッサーで音圧調整です。

• スレッショルドは-10ｄｂくらい
• レシオは8：1くらい
• アタックタイムは2ｍｓくらい
• リリースタイムは75ｍｓくらい
• ゲインは+6ｄＢくらい

という設定を使うことが多いです。

後は、曲調やアレンジによって、微調整していく感じです。

そして、最後にリミッターをかけます。

• アウトプットレベルは-1.0ｄＢくらい

こいつでオーバークリップを防ぐみたいなイメージです。

５．ＥＤＭ　パンチのあるキックの作り方　まとめ

オーバークリップでサウンドの歪みを最大限に警戒しつつも、豊かな音圧感のあるキックの作り方でした。

重低音域はどうしても音が見えづらく、慣れるまで時間がかかります。

めげずにトライし続けて、自分だけの個性あるキックのサウンド作りを徹底していきましょう！

今回はEDMの作曲のコツということで、EDMの曲構成について掘ってみたいと思います。

普段、あなたは曲構成を意識しながら音楽を聴いてるでしょうか？

「そんなのいちいち気にしてねーよ！」

と言われてしまいそうですが、音楽制作を志しているのならば、

ここは押さえておきたいところです。

１．作曲は全体の曲構成をイメージする

曲構成とは、よく物語の起承転結に例えられます。

Ａメロが起で、Ｂが承で、、、

みたいに解釈されることが多いです。

しかし、そんなまどろこしく覚えるよりも、

基本の型を覚えてしまった方が手っ取り早いと、個人的に思います。

下に表した曲構成が定番の型になります。

Intro 1A 1B 1C 2A 2B 2C 間奏 D 3C Outro

多くの楽曲は、どこかしらこの流れを踏まえてるかと思います。

この型を覚えて、後はいじりたいところを少々手を加えることで、よりグッとくる流れに調整することもできます。

まずは定番の型を覚えてしまってください。

２．世界中の楽曲の曲構成もチェックする

もうひとつ、日本の音楽シーンと欧米の音楽シーンとでは、定番の曲構成に多少違いがあります。

欧米の曲構成はわりとシンプルな繰り返しが多かったりします。

一方、日本の音楽シーンだとこれでもかというくらいサービス精神豊かな曲構成のものがほとんどだと思います。

その差は何かというと、文化の違いが大きいといわれていたりします。

日本ではワビサビの精神で、クライマックスに向けてあの手この手を駆使していく感じで、欧米だと、もうちょっと合理的で「曲全体全てがいいから聴いてみそ！」みたく、わりとスポーツ感覚に近いのかもしれません。

３．EDM 作曲のコツ 曲構成を決めておく　まとめ

どちらもそれぞれ心地よい部分を持っているので、曲のイメージやコンセプトなどによって、

取捨選択できればいいと思います。

ただし、基本の型を知っていて、いじり方もわきまえているからこそ、

思い通りに曲の流れを組み立てることができるのです。

そのためにも、日頃から耳にする、多くの音楽の曲構成の引き出しを増やすことはかなり重要です。

気になった曲は、どんどん曲構成をメモしていきましょう。

それが明日の音楽制作に活きてくるんですね！

関連記事：DTMでのEDM音楽制作のコツ　かんたんに作曲するための「音楽の3要素」を理解して作業効率を上げる

１．FL STUDIO代表するシンセ 3xOSC の基本

３ｘOSCは減算合成方式シンセサイザーになるので、基本波形をオシレーターで選択して、フィルターで低音や高音を削って音作りを行います。

減算合成方式シンセサイザーはアナログモデリングシンセの仕組みとして基本になるので、3xOSCでシンセの音作りの基本を習得していきましょう。

今後、MassiveとかEDMで多用されているシンセを活用していくためにも、操作方法がわかりやすい3xOSCはシンセの基本を身につけるのに最適です。

併せて読みたい関連記事：待望！ついにFL STUDIO 20へアップデート！正式にMac対応！

２．アナログモデリングシンセサイザーの基本

アナログシンセについて、詳しくはMIDI検定３級 合格のコツ12　音響学と電子楽器　アナログシンセの音作りにあります。

オシレーターセクション

音作りするための基本になる波形を選択します。

ほとんどのアナログモデリングシンセでは２つ以上のオシレーターを備えていることが多いです。

複数の波形を混ぜ合わせて、より複雑なサウンドを生み出すイメージです。

まるで絵の具のパレットで色を混ぜ合わせる感覚に近いと思います。

フィルターセクション

波形を削って、音色に変化を与える効果があります。

高音側を削るタイプ（HP）、低音側を削るタイプ（LP）など、いくつか種類があります。

エンベロープセクション

ピッチ、フィルターカットオフ、レゾナンス、パン、アンプの時間的変化を調整します。

実在する楽器のエンベロープを参考にすると、狙った音作りがしやすいので、いろんなアコースティック楽器のエンベロープを研究していきましょう。

LFO（ローフリケンシーオシレーター）セクション

トレモロやビブラートなど周期的に音を揺らす効果を調整します。

周期の速さと振幅の深さを調整して、音作りしていきます。

ワブルベースなどのサウンドでは必須パラメーターです。

Rate（周期の速さ）をオートメーションを書いて、ドラマチックな展開を作ったりなど多用されます。

３．3xOSCのオシレーターセクション

3xOSCの波形タイプのセレクト

3xOSCには３つのオシレーターが用意されていて、これらを合成して音作りしていきます。

選択できる波形は、

• サイン波　純音です。時報の音です。低音補強に向いてます。
• 矩形波　ファミコンの音です。ピコピコサウンド
• TB303調ノコギリ波　ブリブリ感を作りやすい
• ノコギリ波　派手なシンセリード、シンセパッドなど倍音豊かなサウンドに向いている
• 三角波　笛系やナイロンギター風などのサウンドを作りやすい
• ホワイトノイズ　全周波数を含んだノイズ、フィルターと合わせて音作り、
• Sample　任意のオーディオデータの波形を使用できる

の７種類です。

個人的な印象も含んでいますが、波形の選び方の基準はこんな感じです。

組み合わせでいろいろサウンドが変化するので、気軽にセレクトを変えてみましょう。

3xOSCの基本操作

波形の組み合わせが決まったら、３つのボリュームとピッチを調整してみましょう。

ツマミの役割は左から順番に、

• COARSE TUNE（コースチューン）＝半音単位でピッチを変更する
• FINE TUNE（ファインチューン）＝最大±１００セント（半音）でピッチを微調整する
• PAN（パン）＝左右のステレオ定位を調整する
• VOLUME（ボリューム）＝OSC1に対して混ぜる音量を調整する

オシレーター２とオシレーター３のFineTuneをいじると、サウンドに厚みが増します。

いじりすぎると音痴な感じになるので、気持ちいいポイントを見つけていきましょう。

ステレオフェイズとステレオデチューンを調整して、ステレオ感を出してみましょう。

• ステレオフェイズ (PHASE OFS)は、ジェネレータの左右のチャンネルの位相のオフセットを設定することができます。

位相オフセットを設定すると、それぞれのオシレーターが異なる波形の位置からスタートします。

たとえば、サイン波のゼロの位置ではなく、最高値のところからスタートするようにできます。

効果としては、音に豊かさとステレオの広がりを加えることができます。

• ステレオデチューン (DETUNE)は、ステレオサウンドの左右のチャンネルの周波数わずかに変えることができます。

効果はサウンドにステレオの広がりを加え、ステレオフランジの効果を発生することができます。

中央の設定ではオフの状態になります。

オシレーター１はメインの波形なので、いじりすぎると音痴な感じになるので注意が必要です。

波形を変調させて、サウンドを過激にしてみましょう。

• OSC 3 AMモジュレーション (AM OSC3)をオンにすると、オシレーター3で他の2つのオシレーターにAMモジュレーション（変調）をかけることができます。
• ステレオフェイズランダム (PHASE RAND)は、ステレオフェイズのばらけ方を設定できます。

低く設定すると自然なサウンドが得られ、高く設定すれば過激なエフェクトとして使うことができます。

3xOSCのオシレーター画面では、以上のように音作りを行っていきます。

まずは、好きなトラックの中で気に入ったシンセサウンドを真似てみながら、どうしたら狙ったサウンドに近づけられるか研究していきましょう。

４．FL STUDIO　3xOSCのフィルターセクション

Instrument（インストゥルメント）設定ページのFilter（フィルター）セクションを使用します。

3xOSCのカットオフとレゾナンス

• MOD X＝Cutoff Frequency（カットオフフリケンシー）は、フィルターを効かせ始める周波数を調整します。
• MOD Y＝Resonance(レゾナンス）は、カットオフ付近を強調させます。

3xOSCのフィルタータイプ

3xOSCではさまざまなフィルタータイプを選択できます。

• Fast LP – CPU負荷の低いローパスフィルター（カットオフより高い周波数がカットされます）。
• LP – ローパスフィルター。 高音側をカットする。
• BP – バンドパスフィルター。指定した周波数バンドの上下をカットします。
• HP – ハイパスフィルター。低音側をカットする。
• BS – バンドストップフィルター。特定の周波数バンドをカットします。
• LPx2 – 鋭いカットオフによるローパスフィルター。
• SVF LP – State Variable Filterの仕組を用いた ローパスフィルター。
• SVF LPx2 – State Variable Filterの仕組を用いた鋭いカットオフによるローパス。

それぞれ効果が異なるので、切り替えながら、カットオフを動かしてみてください。

フィルタータイプによって、サウンドがどのように変化するか確認しましょう。

基本的にフィルターをかけない状態が、選んだ波形の倍音成分が再生されている状態です。

派手なサウンドを作りたいときは、フィルターのカットオフ、レゾナンスを細かく調整していきましょう。

あえて、フィルターを効かせないということも、ひとつのサウンド作りになります。

５．FL STUDIO 3xOSCのエンベロープセクション

Envelope（エンベロープ）のソース

左からパン、ボリューム、カットオフ、レゾナンス、ピッチの各要素を選択して、エンベロープを調整できます。

音を鳴らしたときのそれぞれの効果は、

• パン＝左から右へなど、左右に動きがあるサウンドを作りことができる。
• ボリューム＝スローな立ち上がりのストリングスとか、ポコポコしたパーカッションサウンドなど作ることができます。
• カットオフ＝シュワーーーというようなスウィープサウンドが作れる
• レゾナンス＝ビョンビョンしたような、おもしろサウンドが作れる
• ピッチ＝ピュンピュンサウンドなどが生み出せちゃう

3xOSCは、５つのソース全てを同時にエンベロープを調整できるので、シンプルなシンセながら、かなり複雑なサウンド作りもこなせてシンセとして優秀です。

基本はADSRエンベロープ

ツマミを触るか、直接グラフをドラッグしながら調整していきます。

エンベロープは標準的なADSRエンベロープの仕組みです。

ADSRとは、

• A＝アタックタイム
• D＝ディケイタイム
• S＝サスティンレベル
• R＝リリースタイム

サウンドの時間的な変化を生み出していきます。

ツマミは左から順番に、

• Delay (PreDelay Time) – プリディレイのツマミでノートの実際のスタート位置とアタック効果がかかるまでの時間差をつくります。
• Attack Time(ATT) – アタックタイム（最大音量に達するまでの時間）の長さを設定します。カーブの形状はテンションモードで設定できます。
• Hold Time(HOLD) – アタックタイム後、ディケイタイム部分までの最大音量レベルをホールド（保持）する長さを設定します。
• Decay Time(DEC) – ディケイタイム（最大音量から持続音まで減衰する時間）の長さを設定します。カーブの形状はテンションモードで設定できます。
• Sustain Level(SUS) – サスティンレベル（鍵盤押している間の持続音）の音量レベルを設定します。
• Release Time(REL) – リリースタイム（鍵盤を離してから音が減衰して消えるまでの時間）の長さを設定します。カーブの形状はテンションモードで設定できます。
• Amount (AMT) – エンベロープがどれくらい実際のサウンドに効果を与えるかを設定します。
  ただしボリュームについては、エンベロープの設定が、直接そのノートの音量となるので、このツマミはありません。チャンネルのボリュームにもよりますが、サスティンレベル値などに応じて音量が変わります。

エンベロープでの設定は、実際の値へのオフセットとして働きます。もしこのツマミがセンター位置ならば、エンベロープは影響しません。
右に回すほど実際のサウンドに効果を与え、左に回すほど逆方向の効果を与えます。

とりあえず、Amount量は最大値にしてあげると、エンベロープの設定がバッチリ反映されます。

エンベロープの上手な使い方

エンベロープはアコースティック楽器のサスティンをシミュレートしてあげると、わりとイメージ通りに音作りできます。

代表例は、

ピアノ、ギター、ベルサウンド

ストリングス、シンセパッド

ディストーションギター、リードシンセ

基本はボリュームエンベロープで楽器タイプに沿って、調整してあげるとイメージにたどり着くのが早いです。

６．3xOSCのLFOセクション

LFO（ローフリケンシオシレーター）はソースに対して、低周波によって周期的な変調を生み出すセクションです。

LFO波形の種類

3xOSCには、正弦波、三角波、矩形波の３種類が用意されています。

それぞれ特徴があるので、切り替えながらどのようにサウンドが揺れるか確認してください。

LFOセクションのパラメーター

Delay (DEL) – プリディレイのツマミでノートの実際のスタート位置とLFOモジュレーションがかかるまでの時間差をつくります。

Attack (ATT) – LFOモジュレーションのアタックタイム（モジュレーションの立ち上がり）の長さを設定します。

Amount (AMT) – このツマミでLFOモジュレーションをどれくらい深くかけるかを設定します。
ツマミがセンター位置だと、LFOモジュレーションは付加されません。
右、または左に回すにしたがって、LFOモジュレーションが付加されます。
右方向でモジュレーションが足され、左方向では、逆方向の効果を与えます。

Speed (SPD) – LFOの周波数（周期の速さ）を設定します。

Tempo Based (Tempo) – このボタンをオンにすると、アタック、ディレイ、スピードなどの各要素が、テンポ変化に応じて変化するようになります。
設定は、エンベロープの各セクションのツマミを右クリックして、Set メニューから行います。
テンポに基づく長さをステップ数で選ぶことができます。

Global – このボタンをオンにすると、このLFOが「グローバル」になります。
各ノートが発音する際にLFOモジュレーションがリスタートしません。
オフにすると、各ノートの発音ごとに毎回LFOモジュレーションがスタートします。

LFOのコツ

過激なサウンドにしたい場合は、カットオフをAmount量を最大にして、Speedを調整するとザワザワするようなサウンドなど作れます。

逆に、アコースティック楽器をモデリングしたい場合は、Amount量を浅めに設定してあげると、程よい揺らぎ効果を得ることができます。

７．3xOSCの使い方　まとめ

作りたいサウンドに適した波形を選ぶ

フィルターでサウンドの個性を整える

エンベロープで楽器タイプを定める

LFOで揺らぎを生み出す

まずはイメージするサウンドは、どの波形をセレクトするとたどり着けるのか慣らしていくのが重要です。

重厚なサウンドを作りたいのに、サイン波を選択しても厚みを出すことができません。

というように、まずはオシレーターの基本波形の特徴をしっかりと掴んでください！

そして、地道に音いじりを進めていきましょう！

最後までお付き合いありがとうございました！！

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FL STUDIO20 – フックアップ