DTMで音楽制作をしていてコード進行を作っていくために、ぜひ抑えておきたいのが

「ダイアトニックコード」

日本語で言うと「音階和音」と呼ばれるものです。

曲を演奏するためには、Keyを設定しなければいけません。

そのKey毎に音階が作られるので、その音階を元に音を積み重ねてできる和音というのが、ダイアトニックコードということになります。

EDMに限らず、全ての音楽ジャンルに通用する音楽理論になるので、避けずにしっかりと理解を深めていきましょう！

１．ダイアトニックコードの仕組み

たとえば、Key＝C,Amで見てみると、

C　D　E　F　G　A　B

というのが元になる音階です。

これをダイアトニックスケールと呼びます。

これを元に一個飛ばしで音を積み重ねていくとコードになるんですね。

ソ　　　ラ　　　シ　　　ド　　　レ　　　ミ　　　ファ
ミ　　　ファ　　ソ　　　ラ　　　シ　　　ド　　　レ
ド　　　レ　　　ミ　　　ファ　　ソ　　　ラ　　　シ
C　　　Dm　　Em　　F　　　G　　　Am　　Bm-5

という７つのコードが出来ます。

これがダイアトニックコードです。

関連記事：DTM初心者におすすめするコード理論本「そうだったのか! コード理論 コードはパズルだ!!」

２．コード進行とはダイアトニックコードの組み合わせ

この７つのダイアトニックコードの組み合わせにより、コード進行ができることになります。

たとえば、

Ｃ－Ｆ－Ｇ－Ｃ

と並べて順番にならして聴いてみると、何かしら印象というか雰囲気を感じることができると思います。
これがいわゆるコード感と呼ばれる、ハーモニーを感じるための感覚になります。

３．ダイアトニックコードの機能は、T(トニック)・D(ドミナント)・SD(サブドミナント)の３種類

ダイアトニックコードにはコードの機能と呼ばれるものが備わっています。

コードの機能とは

T＝トニック
D＝ドミナント
SD＝サブドミナント

という３種類があります。

それぞれの機能を見ていくと、

T＝トニック＝親父
理想的な家族関係であるとして、一家の大黒柱のようなものです。

D=ドミナント＝おかん
親父を内助の功で支える、家族になくてはならない存在です。

SD＝サブドミナント＝せがれ
親思いな出来のいい子です。

コードの機能とはこの３者の三角関係で成立します。

どいうことかというと、最終的にどんなコード進行も、トニックコードに落ち着きたい力を持っているということです。

４．ダイアトニックコードの組み合わせのパターンは「カデンツ」と呼ばれる

そこで、覚えておきたいのが「カデンツ」（ケーデンスとも）と呼ばれる、コード進行の基本パターンみたいなものがあります。

カデンツは元来は「終止形」を意味していました。

「T→SD→D→T」
（Ⅰ→Ⅳ→Ⅴ→Ⅰ）

が代表例ですが、

これにダイアトニックコードを当てはめてみます。

C　　Dm　　Em　　　F　　G　　Am　　Bm-5
T　　SD　　　T　　　SD　　D　　T　　　（D)
Ⅰ　　Ⅱ　　　Ⅲ　　　Ⅳ　　Ⅴ　　Ⅵ　　　Ⅶ

このようにダイアトニックコードにはコードの機能が割り当てられます。

すると、

T→SD→D→T　⇒　C→F→G→C

みたいに並べていくことになります。

ただ、これだけだと、かなり単調になってしまうので、

T→SD→D→T　⇒　C→Dm→G→Am

のように部分的に同じコードの機能のものに置き換えたりしながら、コード進行を発展させていったりします。

併せて読んでおきたい記事：EDM での作曲コード進行①　４５６パターンの感覚を叩き込もう！

５．カデンツ（ダイアトニックコードの並べ方）の基本パターンは３種類

カデンツは基本パターンとして３種類あります。

T→D→T　おなじみお辞儀コード進行

T→SD→D→T　耳たこなレベルでド定番コード進行

T→SD→T　アーメン進行とも呼ばれる厳かコード進行

これらをコードの置き換えを駆使しつつ、組み合わせていくだけで、それらしい曲ができてしまいます。

たとえば、４小節パターン（２拍毎にコードチェンジ）として次の組み合わせを鳴らしてみると、

T→SD→T→D→T→SD→D→T　⇒　C→F→C→G→Em→F→G→C

なんか垢抜けない雰囲気ですが、機械的に組み合わせたものを演奏してみました。

クラシックでの音楽理論では４番目５番目の「G→Em」の進行はタブーとされていますが、聴いた感じではそんなに悪くないと思います。

基本カデンツの３種類を２小節、４小節、８小節という固まりで、コードの機能に沿って当てはめていくだけで、ちょっとした曲が出来てしまいます。

６．まとめ

闇雲に作曲していくのも、ひとつひとつ手探り感があって楽しいですが、音楽理論をちょっとでもかじっておくと、破綻させずに作曲することができます。

音楽制作をしていて、「なんかヘンチクリンだな～」というときは、概ね音楽理論から外れてしまっていることがほとんどです。

そんなときにダイアトニックコードの理解も含めて、音楽知識を活用していきましょう。

最後にコード理論修得の近道は、

好きな楽曲のコード進行をパターン化してストックする

自分が作曲する音楽は、

「自分が好きな音楽の集大成」

好きなものを寄せ集めていけば、自分だけのオリジナルが生み出されます。

はじめは、モノマネでそっくりになってしまっても、継続してストックしていけば、新たな組み合わせが生まれます。

ぜひ選り好みせず、たくさんの楽曲に触れていきましょう！

併せて読んでおきたい記事：EDM 作曲のためのコード進行　暗いけどノスタルジックな４２６コード進行パターン

１．初心者だからこそ有料DAW一択しかない！

現在、多くの無料のフリーソフトDAWを利用することができます。

お手軽にDTMを始める条件がそろっているので、自分もDTMをやってみようというDTMer初心者の方もいらっしゃることでしょう。

より多くの方にも音楽制作の楽しみを知ってもらいたのですが、一つ注意点があります。

それは「DTMを始めるなら、無料フリーソフトDAWを選んではいけない！」ということです。

それでは、DTMer初心者であるあなたが有料ソフトを選ぶべき根拠を挙げていこうと思います！

根拠1　音を鳴らすまでが簡潔

大手メーカーでは、やはりある程度の資金を投じて開発されていることもあり、音楽制作をスタートするための労力をできるだけ軽減されるように設計されています。

環境設定の画面もわかりやすく見やすいものがほとんどです。

根拠2　音楽制作に便利な機能が充実

入力したノートをジャストのタイミングに吸着させるスナップ機能や、リアルタイム入力したノートをまとめて任意のタイミングにそろえるクオンタイズ機能など、各DAWで充実しています。

また、任意のロケーションへのジャンプ機能やオーディオクオンタイズ機能、タイムストレッチなど、かなりアクセスしやすい設計となっているものが多いのが有料DAWの良いところです。

根拠3　市販曲のプロクオリティに仕上げることも可能

有料DAWでは、バンドルされているプラグインシンセやプラグインエフェクトが充実しているものも多いです。

適切にサウンドメイキングを行えば、プロに引けをとらないサウンドを構築することも可能です。

要するに有料DAWには、音楽制作に必要なすべての材料があらかじめ用意されているということです。

わからないからといって、何を選べばよいか迷って悩んでしまう労力をかなり軽減してくれます。

２．まずDTMを体験したい人向けおすすめDAWとは

有料DAWのすばらしさはわかった！でも、無料でまずは始めたいという方へのおすすめな体験版DAWを紹介していきます。

おすすめDAWその１　Cakewalk by Bandlab

BandLab - Make Music Online

The cloud platform where musicians and fans create music, collaborate, and engage with each other ac...

www.bandlab.com

これはある意味最強の無料DAWですね！

2017年まではCAKEWALK SONARとして、老舗DAWとして、多くのサウンドクリエーターに活用されてきたソフトです。

現在は、シンガポールのBandlab社に吸収されて、無料DAWとしてさらに進化しています。

特筆すべきは、フラッグシップDAWとしての充実した機能と、VST３やARAというプラグインにも対応した拡張性の高さです。

DAW本体はCAKEWALKを無料で、使いたいソフトシンセやプラグインエフェクトはサードパーティ製プラグインを利用すれば、自分の使いたい環境で音楽制作を行うことができます。

関連記事：

緊急！Cakewalk SONARがCakewalk by BandLabとして復活！

遂にCakewalk by Bandlabとして復活を遂げたSONARについて、インストール手順と使用感について解説しています。

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2018.10.12

おすすめDAWその２　FL STUDIO

FL Studio by Image-Line

The world’s favorite music creation software. Everything you need to produce, write, make beats, and...

www.image-line.com

FL STUDIOはDJなどダンスミュージックを制作するクリエイターに好んで使用されているDAWです。

操作性は直感的で、DAWが初めてという方でも楽しくフレーズ作りがしやすいDAWです。

FL STUDIOは体験版であっても、全ての機能を使うことができるので、一気に丸々一曲を完成させることも可能です。

ただし、体験版ではプロジェクトの保存ができません。

もし、続きをエディットしたいということであれば、製品版を購入しましょう！というスタイルになっています。

関連記事：

待望！ついにFL STUDIO 20へアップデート！正式にMac対応！

待望のFL STUDIO 20が遂にリリースされました！Macにも正式対応したことで、FL STUDIOユーザーがどんと増えそうですね！

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2019.02.18

おすすめDAWその３　STUDIO ONE３ PRIME

Fender Studio Pro概要

Fender Studio Proは、レコーディング、プロダクション、ミキシング、マスタリング、パフォーマンスに必要な全てを包括的に提供するパワフルなオールインワンDAWソフトウェアです。高速で直感的...

www.mi7.co.jp

STUDIO ONE PRIMEは、とりあえずDTM初心者が音楽制作を始めるための機能がすべてそろっています。

しかし、VSTプラグインは追加できないため、プラグインを拡張するためには製品版を購入する必要があります。

DAWの操作性としては、さすが後発DAWなので、触りたい機能に容易にたどり着くことができます。

基本的に1画面ですべての情報が管理されるので、複数のPCモニターをお持ちでないユーザーでもテキパキと作業を進めることができます。

関連記事：

DTMで入門者や初心者が作曲するために　(2)Studio One 3 Primeを使ってみる！

DTMで入門者や初心者が作曲するために　(2)Studio One 3 Primeを使ってみる！方法について

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2018.11.27

３．DAWだけでは曲作りはできない！？

DAWを導入したからといって、すぐに自分の思い描く音楽を作ることができるとは限りません。

DTMを快適に始めるにあたって、役立つものをぜひチェックしておきましょう！

DTMに必要な知識

PC・ソフトの操作

DTMではPCを触る必要があるので、どうしてもパソコンの操作とDAWソフトの操作から逃れることができません。

スムーズに捜査をするためにも、DAWのショートカット機能を早めに覚えていきましょう。

例えば、再生はスペースキー、Qはクオンタイズ、Ctrl+Cはコピー、Ctrl+Vは貼り付けなどなど、オフィスソフトなど一般的なPC操作に共通するショートカットも多いので、なる早でショートカットコマンドを覚えていきましょう！

音楽知識

DTMは音楽を作る作業です。

DAWソフトは自動で音楽を作ってくれるわけではありません。

ある程度、音楽知識が必要になってきます。

ただし、決して全ての音楽に精通する必要はなく、自分が作りたい音楽ジャンルに関わる知識だけでも持っておくと、かなり快適に音楽制作を進めることが可能になります。

たとえば、ドラムセットの名称とか、ギター、ベースそれぞれの音域や演奏法、コードの鳴らし方など、最低限、自分が作りたい曲に必要な音楽知識を身に付けていきましょう。

サウンド作り

DTMでは、楽譜通りに音符を打ち込んだだけでは音楽らしくなりません。

音符の打ち込みにプラスして、サウンドメイキングの知識が必要になります。

サウンドメイキングとは、音量バランスの調整やエフェクト処理の知識になります。

思い通りにサウンドメイキングを行うためには、精度の高いサウンド聴き分ける力が必要になります。

多くの楽曲を聴いて、楽曲分析を行うことによりサウンドメイキングの知識を広げていくことができます。

地道な積み重ねで、サウンドメイキングのスキルを向上させて行く必要があるのです。

関連記事：

DTMでのEDM音楽制作のコツ　かんたんに作曲するための「音楽の3要素」を理解して作業効率を上げる

音楽を作るためには、音楽の基本的な構造を抑えておくと何かと便利です。そこで、今日は「音楽の3要素」についてお話していこうと思います。１．作曲するなら、ぜひとも覚えておきたい「音楽の3要素」とは音楽の３...

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2025.07.12

DTMを快適にするおすすめ書籍

・ミュージッククリエイターハンドブック

MIDI検定の教科書になる本です。

MIDI検定とは、DTMの理解の深さを測る検定です。

なので一通りのDTMに必要な知識が網羅されているのが、ミュージッククリエイターハンドブックなのです。

内容としては、非常にわかりやすく情報が整理されていて、DTM初心者でもかなりとっつきやすい本です。

ぜひ手元に置いておきたい一冊になるでしょう。

・音楽楽典

DAWは音楽の演奏情報を取り扱うツールなので、音楽知識から避けては通れないのがDTM。

しかし、楽典というのは心地よく音楽を奏でるための法則をまとめたものです。

多くの音楽楽典本がありますが、図解が多く、簡潔にまとめられているものを選びましょう。

・各種楽器の教則本

DTMで打ち込みをしていて、どうしてもつまづいてしまうところが、現実の演奏と何かが違う。。という部分。

楽器ごとの演奏方法を理解して、打ち込みに応用すれば、演奏に対する違和感というものを少なくすることもできます。

そこで、おすすめなのが、あたかも自分が楽器を弾くことを想定して、楽器の教則本をそのまま打ち込んでみることです。

そうすることにより、楽器への理解も深まりますし、様々な演奏法も試すことができるようになります。

・全知識シリーズ

ジャンル別に第一人者が書いているハウツー本です。

自分が補いたい分野のものを選べば、集中的に学習できます。

DTMでおすすめなのは、シンセサイザーとミキシングの知識についてでしょうか。

用語の理解だったり、パラメーターの意味がわかれば、より最短で自分がイメージするサウンドへ到達することができるようになります。

４．DTMを末永く楽しむための秘訣とは

①「わからない」を楽しむ！

誰でも、初めてのことはわからないことが当然です。

わからないことを悔やむより、新しいことを知って、理解することができたことにフォーカスするのが学習のポイントです。

焦る必要は全くありません。

地道に取り組んでいけば、一年後には驚くほどスキルが向上しているはずです！

なので、「わからない。どうしよう」がでてきたら、「さて、引き出し増やすか！」くらいに気楽に調べていけば良いのです。

②作品を発表する

ただ音楽を完成させるだけでは、自己満足に終わり、それ以上のスキルの向上が望めません。

どこかの誰かが聴いてくれているかもしれない、という状況が、適度な緊張感を生み出してくれます。

音楽は元々は様々あるコミュニケーションの形の一つといわれています。

作り手と聴き手というコミュニケーションが成り立つので、フィードバックを楽しみに制作をしていきましょう！

③音楽活動仲間をみつける

ひとりでコツコツと作業が得意な人でも、同じことに取り組んでいる仲間が増えれば、よりモチベーションの向上、知識の拡大が期待できます。

たまには、自分が好きな音楽ジャンルのイベントなどにも顔を出して、同じ志を持っているクリエイターと交流を図りましょう。

いい刺激になって、さらに創作意欲が湧いてきます。

併せて読みたい記事：

EDMの作り方　DTM初心者向けトラック制作手順概要

EDMの作り方 初心者向けトラック制作手順の概要をDTM全般に対応可能な内容で解説しています。何から手を付ければいいかわからないという方の参考書！

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2025.07.12

音楽制作をしていくと、必ず誰もがぶち当たるのが「耳コピー」

「自分は絶対音感がないからムリ！」

「楽器弾けないからムリ！」

とか、何かと言い訳をつけて避けていませんか？

実は、だれでも簡単に「耳コピー」ができるようになる方法があるんです！

早速、見ていきましょう！

１．かんたんに曲のKey(キー）を調べる方法

曲のKeyをカンタンに調べる方法があります。

曲のKeyというと、全部で１２種類あります。

なぜかというと、通常、作曲するときは「クロマチックスケール」といって、１オクターブを１２等分した音階を用いるからです。

それぞれ１２個の音を主音として、メジャーキーであれば「ドレミファソラシド」、マイナーキーであれば「ラシドレミファソラ」に聞こえる音階が作られます。

したがって、曲のKeyは１２種類あるんです。

ソファミレドシで楽勝でKeyを割り出す！

それでは、曲のKeyを割り出す手順を紹介していきます。

①曲を流しながら、「ソファミレドシ」を繰り返す。

②不協和音を感じたら、全体を半音上に移動して「ソファミレドシ」の音階を繰り返す。

③「これだ！」としっくり来るまで、①～②を繰り返す。

キーボードやギターを演奏できる方は、リアルタイムに楽器を弾きながら探っていくと、あっという間にその曲のKeyを判別することができます。

楽器が苦手という人向けに６音スケールを用意しました！

それぞれのKeyに対応した触ってよい音階と、メジャーキー（長調）のダイアトニックコードのコードネームを併記しておきます。

音源の使い方

Keyを割り出したい曲を再生させながら、下の音源を順番に再生していって、気持ちよく鳴ってくれるものを見つけていきます。
ちょっとでも違和感を感じるものは除外していってください。

Key=C,Am

メジャースケール：G　A　B　C　D　E 　F#

メジャーキーのコード（３和音）：G　Am　Bm　C　D　Em 　F#m-5

メジャーキーのコード（４和音）：GM7　Am7　Bm7　CM7　D7　Em7 　F#m7-5

Key=D,Bm

メジャースケール：A　B　C#　D　E 　F#　G#

メジャーキーのコード（３和音）：A　Bm　C#m　D　E 　F#m　G#m-5

メジャーキーのコード（４和音）：AM7　Bm7　C#m7　DM7　E7 　F#m7　G#m7-5

Key=E,C#m

メジャースケール：B　C#　D#　E 　F#　G#　A#

メジャーキーのコード（３和音）：B　C#m　D#m　E 　F#　G#m　A#m-5

メジャーキーのコード（４和音）：BM7　C#m7　D#m7　EM7　F#7　G#m7　A#m7-5

♭フラット系Key

Key=F,Dm

メジャースケール：Bb　C　D　Eb　F　G　A

メジャーキーのコード（３和音）：Bb　Cm　Dm　Eb　F　Gm　Am-5

メジャーキーのコード（４和音）：BbM7　Cm7　Dm7　EbM7　F7　Gm7　Am7-5

Key=Db,Bbm

メジャースケール：Eb 　F　G　Ab　Bb　C　D

メジャーキーのコード（３和音）：Eb 　Fm　Gm　Ab　Bb　Cm　Dm-5

メジャーキーのコード（４和音）：EbM7 　Fm7　Gm7　AbM7　Bb7　Cm7　Dm7-5

Key=Ab,Fm

メジャースケール：Gb　Ab　Bb　Cb　Db　Eb 　F

メジャーキーのコード（３和音）：Gb　Abm　Bbm　Cb　Db　Ebm 　Fm-5

メジャーキーのコード（４和音）：GbM7　Abm7　Bbm7　CbM7　Db7　Ebm7 　Fm7-5

しっくりくるKeyが見つかったら、５番目の音がそのKeyの主音です。

いかがですか？ドンピシャにハマるものは見つかったでしょうか？

もし、見つかったのであれば、そのKeyの音階を元に、パートごとのフレーズも見つけていくことが可能です。

関連記事：

音楽制作に必須　Keyとは？

DTM初心者におすすめするコード理論本「そうだったのか! コード理論 コードはパズルだ!!」

２．なぜ、６音鳴らしているだけでKeyがわかるのか？

メジャーキーの音階は「ドレミファソラシド」となります。

この中に半音で隣り合うところが２箇所あります。

この部分がどの音同士が隣り合うかで、Keyが決まっているといっても過言ではないんですね！

音階のかたちは「半音」と半音２つ分の「全音」で表されます。

「長調」であるメジャースケールは、

メジャーズケール＝全全半全全全半

左から３つめと７つめに「半音」というのが、メジャースケールのかたちになります。

この部分が定義されることによって、「調性」といって曲のKeyの感じ方が決まります。

つまり６音スケールを鳴らしてみると、必ず、２箇所「半音」になるところができるんですね。

その半音の部分で、「Keyが合うか合わないかが決める」ということです。

それを探ろうというのが、この６音スケールなのです！

３．耳コピーのまとめ

耳コピーは継続してトライしていくと、間違いなく少しずつ上達していきます。

耳がどんどん鍛えられて、メロディやコードの判別がスピードアップしていくんですね。

優れたミュージシャンは楽譜を見なくとも、一度聴いた楽曲から寸分違わずにコピーできてしまうといわれています。

そこまでじゃなくとも、自分が参考にしたい先人の知恵をダイレクトに吸収するスキルは、ぜひ身につけたいものです。

あなたも耳コピーのスキルを上げて、音楽作りの先輩たちのアイデアを余すことなく吸収できる能力を高めていってください。

そうすれば、音楽制作がより自由で豊かなものになることでしょう！

追記２！ ※２０１８年４月１１日に追記しました。関連記事：緊急！Cakewalk SONARがCakewalk by BandLabとして復活！

追記！　 ※2018年2月26日に追記しました。

2018年2月23日にバンドラボテクノロジーズはGibson BrandsのCakewalk Inc.の特定の資産と完全な知的財産の取得を発表しました。

2017年11月17日「Gibson Brands」によって、日本でも人気のDAWソフトCakewalk「SONAR」の今後の開発と生産を終了するという発表がありました。

301 Moved Permanently

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僕は2001年に登場の「SONAR 1」の頃からのユーザーで、かれこれ16年もの間、メインDAWとして使用してきました。

なので、ほぼ「体の一部か？」くらいに使い込んできました。

2010年には「SONAR X1」として、大きくGUI（グラフィカルユーザーインターフェイス）が刷新されて、大幅な操作性の向上が図られました。

たまたま、同じくらいのタイミングで、サウンドレコーディングマガジンの「SONAR」の誌上コラムも執筆させていただく機会にも恵まれました。

そんなこんなで、長年、連れ添ってきた愛用DAWが開発終了ということで、断腸の思いです。

今現在、僕も今後のメインDAWをどうしようかと、いろいろと情報収集を重ねています。

今回は、多くのDAWソフトを比較検討した際、「SONAR」の使い心地に近いかたちで乗り換えできるDAWを絞り込んでみました。

１．SONARから他DAW乗り換え一覧

現在リリースされているDAWソフトは、どのDAWでも基本的な性能はほとんど差がなくなってきています。

DAW毎に想定したユーザーに対しての設計思想みたいなのがあって、それが使用感や操作性につながっています。

各DAWの細かい性能、使用感、使用目的などは、読者各自で詳しく比較検討していただく必要があるので、各DAWの詳細なレビューは割愛します

下に主なDAWの一覧表を作成しました。

○が多いほど高性能というわけではなく、SONARからの移行の際に「SONAR」の操作環境にどれだけ近いかという表です。

かなりの数のDAWが存在しますね！（笑）

それでは各項目を順番に見ていきましょう。

関連記事：

EDMの作り方　DTM初心者向けトラック制作手順概要

EDMの作り方 初心者向けトラック制作手順の概要をDTM全般に対応可能な内容で解説しています。何から手を付ければいいかわからないという方の参考書！

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2025.07.12

２．SONARとコンセプトが近いDAW

「SONAR」はもともと「MIDIシーケンスソフト」として発展してきました。

つまり「MIDIでの打ち込み」機能の歴史が長いので、打ち込み作業の操作性において、かなり洗練されてきたと言えるでしょう。

下に「SONAR」に近いDAWを含め、タイプ別に分けてみました。

MIDIシーケンスソフトから進化してきたDAW

• Cubase
• Digital Performer
• Logic
• Ability(旧SSW)

オーディオ編集寄りで進化してきたDAW

• Pro tools
• Studio One

DJトラックメイクを意識したDAW

• Live
• FL Studio
• Bitwig Studio

ジャンルに限らず、総合的にバランスよく音楽制作できるDAWが、コンセプトとしてSONARに近いと言えます。

乗り換えても使用感、操作感で大きく戸惑ってしまうことは少ないでしょう。

関連記事：

スムーズにDTMするためのDAWアプリ「FL STUDIO」の使い方　「FL STUDIO」を活用してEDMを作曲するコツ　「ステップシーケンサーで打ち込む！」

DTMするためのDAWソフト「FL STUDIO」を活用してEDMをステップシーケンサーで打ち込む！

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2025.07.12

３．OMFファイルでオーディオデータ移行

DAW乗り換えで、もっとも厄介なことのひとつが、

SONARで作ってきたプロジェクトファイルを新しいDAWへ移行すること

MIDIデータであれば、SMF（スタンダードMIDIファイル）の保存もしくはエクスポートが可能であれば、サクッと移行ができてしまいます。

基本的にオーディオデータを含めたプロジェクトファイルは、異なるDAW間では互換性がありません。

しかし、できるだけ楽したい！というのが人情。

そこで登場するのが「OMFファイル」です。

「Open Media Framework Interchange」の略。「OMFI」と呼ばれる事もある。AVID社が開発した異なるDAWシステムやビデオ編集システム間でオーディオ/ビデオ情報をやり取りするためのファイルフォーマットの事。拡張子は「.omf」が使用される。

例えばキューベースでOMFにエクスポートしソナーでインポートする、というようにしてマルチトラックのデータの移行を行う事ができる。ただし、OMFで扱う事ができるのはオーディオ（およびビデオ）トラックの情報だけであるため、MIDIの情報を交換するためには別途SMFでやり取りするなどの手順が必要となる。もちろんこの際に移行先のDAWで同じ音を出すためには両方のDAWで同等のシンセサイザーやエフェクターをアサインする必要がある。

OMF形式をサポートするDAWやビデオ編集ソフトウェアとしては、Cubase、Nuendo、SONAR、Logic、ProTools、Avid、Adobe Premiere、などがある。このように有名所のDAWの多くがOMFをサポートしており、使われている所ではそれなりに使われているファイルフォーマットであるが、一般にOMFによるデータ交換が広く行われているというほどでもなく、移行の際に互換性の問題が発生する場合もある。

引用元：OMF オーエムエフ

SONARはOMFファイルのインポート/エクスポートに対応しています。

SONARでOMFファイルをエクスポートして、OMF対応DAWでインポートすることにより、ある程度オーディオファイルがSONARのプロジェクトの状態を保ったまま移行することが可能です。

OMFファイルのインポートに対応しているDAW

• Cubase
• Pro tools
• Logic
• Digital Performer

OMFファイルに対応していないDAWへのオーディオデータ移行は手間がかかるけど、確実な方法として、

「オーディオトラックを全て１小節目頭から各トラックをバラバラでバウンスしてWAVに書き出す」

となります。

（画像はSONAR X3)

４．DAW内でMelodyneを統合して使いたい

SONARの最大の売りのひとつ、

ピッチ補正ソフト「Melodyne」を内蔵機能のように扱える！

この機能が無くなるだけでも、かなりテンション下がりますよね。。。

この操作性は、Melodyneの開発元のCelemonyとPreSonusの共同開発による「ARA(Audio Random Access)」という機能に対応していることで実現しています。

ARAに対応しているDAWソフト

• PreSonus Studio One
• Magix Samplitude
• Acoustica Mixcraft
• Tracktion Waveform

ARAに対応していないDAWでも、VSTなどのプラグインとして呼び出すことで、Melodyneを使用することができます。

プラグインとしての動作だと、SONARみたく「オーディオクリップを右クリック」で即アクセス！というわけにいかず、一度トラックをリアルタイムに再生してMelodyneに解析させる必要があります。

もちろん、ピッチ補正をMelodyneにこだわらず、各DAWに付属するピッチ補正機能を活用しても、同じような編集は可能です。

SONAR付属のMelodyneは、ライセンス管理はSONARから独立しているので、今後、他のDAWで使用することも可能です。

５．タッチディスプレイで直感的操作

SONARは王道系DAWの中では、いち早くマルチタッチ操作に対応した数少ないDAWです。

最大１０ポイントのマルチタッチに対応しているので、両手の１０本の指で直感的に操作ということも可能です。

マルチタッチの活用方法はマトリックスビューでライブ演奏やコンソールビューでボリュームフェーダーをリアルタイムに記録するなどが考えられます。

普段、制作ではあまり意識することが少ないですが、けっこう活用していた方は検討する勝ちがある機能のひとつです。

マルチタッチ対応DAW

• PreSonus Studio One
• Bitwig Studio
• Image Line FL Studio

こうみてみると、マルチタッチ対応は新しいDAWに多いですね。

マルチタッチに対応していないDAWでも、フィジカルコントローラーやiPadのアプリなどを導入すれば、マルチタッチに近い操作性を実現することも可能です。

６．クロスグレード版を利用してお値打ちにDAWを移行する

クロスグレードとは、既にDAWソフトを持っているユーザーに対して、割引購入できますよー、というしくみです。

定価で購入するよりも、かなり安価に購入できることがあります。

クロスグレード版を購入できるDAW

• Studio One
• Ability
• Digital Performer
• Bigwig Studio
• FL Studio

元々クロスグレードを用意していないDAWでも、たまにキャンペーンを打って、期間限定でクロスグレードを行っていることもあります。

早速、SteinbergはSONARユーザー名指しで、クロスグレードを勧めるアナウンスを行いましたね！

Cakewalk SONAR ユーザー限定 Cubase Pro クロスグレードキャンペーンのご案内

７．SONARからDAW乗り換えのまとめ

SONARから他DAWへの乗り換えについて書いてきましたが、正直、かなり迷いますね。。。

現状では、すぐにSONARが使えなくなるわけではありませんが、愛着あるDAWから他のDAWへの移行作業の労力を考えると、相当のエネルギーを必要とします。

今後のWindowsのアップデートによっては、突然SONARの起動すらできないなどの現象が起こることも考えられます。

焦りすぎず、のんびりし過ぎず、今後のDAW乗り換えへの準備はしておきたいですね。

最後に、個人的な感想として、

僕もこれまでに多くのDAWに触れる機会がありましたが、今のところ、自分の中では、

「次に乗り換えるメインDAWは「Studio One」一択かな！」

若干、MIDI編集が物足りない感じがありますが、メインDAWとしての操作性コンセプトがSONARにもっとも近いかなという印象。

Studio OneにSONARのMIDI編集能力が加われば、かなり使いやすいDAWになりそう。。。SONAR開発陣、Studio Oneに編入とかあると素晴らしいかも！

と、なんとも身勝手な想いを吐露してしまいましたが、これを機に全く新しい音楽制作環境へ、というのもアリかもしれません！

追記！CAKEWALK SONAR復活か？！

2018年2月23日にバンドラボテクノロジーズはGibson BrandsのCakewalk Inc.の特定の資産と完全な知的財産の取得を発表しました。

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もしかすると、SONARの開発が継続される可能性が出てきました。

引き続き、今後の動向を要チェックですね！ 速報！

なんと２０１８年４月４日からCakewalk by Bandlabとして無料リリースされました！

関連記事：緊急！Cakewalk SONARがCakewalk by BandLabとして復活！

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2018.11.07

ボイストレーニングでは、いろいろな音階を活用して、発声練習を行っていきます。

特に近頃では、ミックスボイスを中心とした高音域主体での歌唱テクニックを必要とする歌が人気です。

テクニカルな楽曲にも対応できるように、自由で柔軟な発声フォームを身につけることが大切になります。

そこで、今回は効率よくボイストレーニングを行うことができる音階＝スケールをまとめました。

平均的なテンポで女性男性別で音源を作成したので、自宅でボイトレするときにこのページを開いてご利用ください。

鍛えたい内容に応じて、活用していただけるとうれしいです！

各スケールの使用方法

スケール(音階)を用いたボイストレーニングを行うにあたって、発声フォームを安定させるために、いくつかの発音を用いて発声します。

発声練習で用いられる発声の種類

・リップトリル（唇を一定にブルブル震わせる）

・「Ah」（アー）

・「Mum」（マンマンマン・・・）

・「Nay」（ネイネイネイ・・・）

・「Wee」（ウィウィウィ・・・）

・「Gee」（ギィギィギィ・・・）

・「Goo」（グゥグゥグゥ・・・）

・「Boh」（ボゥボゥボゥ・・・）

・「Boo」（ブゥブゥブゥ・・・）

以上のような発声を用いてボイトレを行うと、あごの動きや舌の動きを安定させながら正しい発声フォームを保ちながら発声練習を行うことができます。

発声練習するときの４つの注意点

効率良く安全に発声練習を行うには、以下の4つのポイントに注意してください。

 ①腹式呼吸を保つ

スムーズな発声の根源は、安定した深い呼吸のサイクルで作られます。

②胸部、首周り、あごをリラックスキープ

発声によるのどへの負担を極力軽減するためには、上半身上部の適度なリラックスが大切です。

③唇、舌の一定な動きにフォーカスする

発声の安定感はスポーツと同じように、安定した一定の動作フォームが重要になります。

④音をよく聴く

狙うピッチと自分の発声の両方を意識して音を聴く習慣を養っていきましょう。

関連記事：ボイストレーニング(ボイトレ)自宅でのやり方のコツ　歌うときや発声練習するときの姿勢に気をつけよう！

ボイストレーニング音源の使い方

はじめに一度お手本が流れて、その後、半音ずつ上昇していきます。

ピアノの音をよく聴きながら、歌ってください。

一通り再生すると停止するので、繰り返す場合は、また始めから再生スタートしてください。

５TONEで自分の発声のクセをチェック

５トーンスケールでは、声質や発声の傾向を知ることができ、声の診断ツールとして用いられます。

また、ボイトレにまだ慣れていない方にも、わりと音取りしやすいスケールなので、チェストボイスを安定させる発声練習にもオススメ。

使用する発声
・「Ah」

女性用５トーンスケール

男性用５トーンスケール

1.5スケールで発声の切り替えをスムーズに

1.5スケールは「One And A Half Octave」の略で、1オクターブ半をチェストボイスからヘッドボイスまでのブリッジの移行をよりスムーズにするために使われます。

できればアカペラでもこの1.5スケールを歌えるぐらいに、覚えこめると安心です。

特に、1.5スケールはミックスボイスを修得したい方は必修科目です！

確実に発声を保てるようにトレーニングしましょう！

使用する発声
・リップトリル
・「Mum」
・「Nay」
・「Wee」
・「Gee」
・「Goo」

女性用1.5スケール

男性用1.5スケール

オクターブリピートでブリッジエリアを強くする

オクターブリピートは、スケールのトップノートを繰り返すことにより、声帯の動きが安定して、ブリッジエリアをより強く、スムーズにします。

使用する発声
・「Mum」
・「Gee」
・「Goo」
・「Ney」
・「Boh」

女性用オクターブリピート

男性用オクターブリピート

オクターブリピートサスティンで、さらに声帯の圧着を強くする

オクターブリピートサスティンは声帯の圧着を増やして、伸ばす音を追加することで、発声の安定感を増して、より強く歌えるようにします。

使用する発声
・「Mum」

女性用オクターブリピートサスティン

男性用オクターブリピートサスティン

ブロークンアルペジオで柔軟性を高める

ブロークンアルペジオは、チェストボイスとヘッドボイスを行き来するので、より発声の柔軟性を高めます。

使用する発声
・リップトリル
・「Mum」

女性用ブロークンアルペジオ

男性用ブロークンアルペジオ

まとめ

効率よく発声を作っていくために、効果的なスケールを紹介しました。

これらのスケール練習をクリアしたからといって、すぐに歌が上手くなるわけでは決してありませんが、発声の安定感が格段に向上するので、テクニックへトライしやすくなることは間違いありません。

早い人で3ヶ月くらいで、発声の安定感の向上がみえてきます。

基礎練習はじっくりと取り組んだ分だけ、後々効いてきます。

焦る気持ちは抑えて、淡々と取り組んでいくと、ある日、パッとコツがつかめます。

今回は確実に効果のある基礎トレーニングのスケールでしたが、個々でもクセや苦手な部分ごとで必要なエクササイズが変わってきます。

しっかり自分の歌声、発声スタイルを客観的に捉えて、さらなる歌唱力の向上につなげていきたいですね！

ボイストレーニングの基本を基礎から学習したい方は、

自宅ボイトレ(ボイストレーニング)やり方のコツ 発声の5ステップを意識する！　目次まとめ

をご覧ください！

「高音を気持ちよく歌いたい！」   誰もが願う、伸びやかな高音域での発声。

あなたも欲しいですよね？  

高音をらくに発声できたら、「どれだけ曲のレパートリーが広がるだろう！」と、妄想がどこまでも広がってしまいますね♪  

そこで、今回は高音が苦手という方のために、効率よく発声を鍛えるボイストレーニング法をお伝えしていきます！

  僕なりにまとめたやり方を書いてみたので、「高音が上手く出せない」という方に、ぜひ参考にしていただきたい！

１．高音が上手く発声できない３つの要因

のどを力み過ぎている

かなり多く見かけるパターンですね。  

高音域を力任せに目いっぱいの声量で出そうとしても、喉頭のバランスが崩れてフリップする、つまりひっくり返ります。

高音はのどを締め上げても出るわけではない！

  とにかく、高音を気持ちよく発声するためには、のどを力んで締め上げないことが最重要です。  

呼気量が足りていない

そもそも声は息で作られるので、使える息の量が少ないと、思うように発声することができないです。  

普段からボソボソ話す人や、か細い声の人などは、呼気量が圧倒的に少ない可能性が高いです。

腹式呼吸やリップロールの練習で、息の使い方、吐く息のパワーアップを行うことが先決です。  

たとえば「おーい！」とか、ちょっと距離の離れた人に向けた発声が上手くできない、もしくは、声の出し方がわからない人は、力強く息を使う練習を行いましょう！  

カンタンな呼気力パワーアップ練習を紹介します。

ティッシュに息を吹きかけて破る練習

ティッシュを両手でピンと張って持って、口に出来るだけ近づけて、ティッシュが真っ二つに破れるまで、息を吹きかけ続けるというものです。

腹筋や背筋が連携して、呼気力がパワーアップするし、体の使い方の確認にもなります。

空中でティッシュに息を吹きかけて滞空し続ける練習

ちょっと広さのあるスペースで、立ったまま上を向いた顔面にティッシュを広げて乗せます。

そして、力強く息をティッシュに吹きかけて、床に落ちないように、連続１０回程度、息を吹きかけてティッシュを空中にキープします。

これも、かなり息のトレーニングになります！

息が多すぎる

声を出そうとしすぎると、必要以上に息が多くなってしまいます。

すると、声帯で効率よく振動に変わることなく、息が漏れるカタチでどんどんロスして気息音の多い発声になってしまいます。  

息が多すぎる原因は、のどを力み過ぎていることが大きいです。

普段からガナリ声を使いがちな方に多いですね。。 なので、出したいピッチに対して、丁度よい息の呼気量がポイントです。  

このパターンの方には、積極的にウラ声を発声することをオススメします！

地声とウラ声のそれぞれを調節する筋肉の動きをバランスよく作ることが重要です。

２．高音の発声方法は大きく分けて３つ

高音域へのアプローチの仕方は、大きく３つ考えられます。

下に挙げた発声スタイルは、ボイストレーニングを行っていけば、大抵の方が身につけることができるものです。

まずは、どのように高音域へアプローチするのかイメージを広げていきましょう。  

それぞれの発声スタイルのメリット、デメリットを下に挙げてみたので参考にしてください。

地声で高音を引っ張りあげる

チェストボイスのまま、高音域へアプローチするスタイルです。

チェスト（胸部）に声を当てたまま、より高音で発声する感覚です。  

・メリット

パワフルで力強い声

・デメリット

のどを力んでがなった声になりやすく、不意にフリップしてウラ声にひっくり返ることも

ミックボイスで地声と裏声をなめらかに

ミックボイスを多用して、低音域と高音域をムリなく行き来します。

ウラ声の感覚でのどにムリなく、でも声の芯をしっかり保ったまま発声するイメージです。  

・メリット

自然なつながりで低音域と高音域をスムーズに使いこなすことができる

・デメリット

ミックボイス修得の難易度が高めで、慣れないとミックスボイスなのか、ただのウラ声なのかの判別が難しい

ヘッドボイスで高らかに声を響かせる

「強いウラ声」で、高音域へアプローチするスタイルです。 声楽のソプラノのようなイメージの声です。  

・メリット

のどを閉めずに負担が少なく高音が使える

・デメリット

ヘッドボイスばかり多用すると、合唱ぽい感じの歌い方になってしまい、いまひとつ迫力に欠けてしまう

３．高音域で力み過ぎないようにするオススメなボイストレーニング３選

高音をきれいに発声するためには、何がなくとも「のどの力み」を解消することが再重要です！

下に代表的な「のどの力み」を減らすボイストレーニングを挙げたので、ぜひ参考にして練習してみてください。

リップロールでポルタメントを行う

「リップロール（リップトリル）」は発声練習の中で、もっとも喉に負担をかけずに行うことができます。

リップロールをポルタメントでピッチを上げ下げする練習を行うことで、のどを力むことなくピッチを捉えることができるようになります。

ポルタメント (portamento ) は、ある音から別の音に移る際に、滑らかに徐々に音程を変えながら移る演奏技法である。 引用元：ポルタメント（Wikipedia）

リップロールでポルタメントのやり方

①リップロールを最低音でスタートする

②最高音まで一定の強さで、途切れないように上げていく

③最高音まで上がったら、途切れないように下がっていく

④息が続くだけ①～③を一息でくりかえす

鼻歌ハミングで歌のメロディラインをなぞる

ハミングで鼻歌することは、自宅ボイストレーニングではかなり最強ボイトレの部類に入ってくると僕は感じてます。

ハミングも喉に負担をかけずに発声練習を行うことができるので、自然な発声を身につけるのにピッタリです。

口から発声しているよりも、中音（自分の中で響いている声）が認識しやすいので、何か音源を流しながら、音取りするにはモッテコイなのです！

とにかく、のどを締めて力まないことを至上命題として、早めのウラ声移行も多用して練習してください。  

慣れてきたら、ハミングの強さを保ったまま、実際に歌詞を言葉に出しながら、メロディを歌う練習をすると効果的です。

今まで大声でしか歌えなかったような曲も、落ち着いてボリュームを抑えたまま歌えるようになります。

「P」の発音でヘッドボイスを鍛える

高音でニワトリの首を締めたような金切り声になりがちなのは、喉頭が上がってのどを締めてしまっているからです。

「P」の発音は適切な喉頭位置を固定してくれます。

ボイトレするときは、基本的に「ポッ」の発音で行います。  

「P」を用いたボイトレのやり方

①ウラ声の最高音で「ポッ」をスタッカートで適度なテンポで発音する

②息が続くだけ、発音しつづける

③①～②を５セット行なう

４．高音域の発声をさらに力強くするオススメなボイストレーニング２選

ある程度、のどの力みが取れてきたら、次は支えの強化を行い、発声をより力強いものとしていきます。  

「S」の息吐きで支えを強化する

「S」の音で、呼吸筋トレーニングを行うことにより、腹筋、背筋、臀（でん）筋などの骨盤周りの呼吸サポート筋との連携強化を行うことができるようになります。  

「S」の息吐きボイトレのやり方

①「スッ！」をMAXの強さで、前歯のすき間から鋭く圧縮して息をスタッカートで吐きます。

②「スッスッスッスッスッ・・・・・」と一定の強さをキープしながら、息が無くなるまで続けます。

③５セット行なう

関連記事：

自宅ボイトレ(ボイストレーニング)やり方のコツ 発声の5ステップを意識する！　ステップ1　呼吸

自宅ボイトレ(ボイストレーニング)やり方のコツ 発声の5ステップを意識する！　ステップ1　呼吸について解説しています！

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2021.07.29

「B」の発音でチェストボイスを強くする

「B」の発音は喉頭位置を低く保ち、声帯を厚く閉じてくれます。

チェストボイスで高音まで、支えをキープしたまま発声できるように鍛えることができます。  

「B」の発音でボイトレのやり方

①地声の最高音で「ボッ！」とスタッカートで発声する

②「ボッボッボッボッボッ・・・・・」ち一定の強さをキープしながら、息が無くなるまで続けます。

③５セット行なう

スタッカートが短ければ短いほど、支えの強化に効果的です。

唇周りの表情筋にも合わせて効き目があるので、基本ボイトレとして活用していくといいです。

５．高音域ボイトレでのどを酷使した後のケア

発声トレーニングを行った後は、喉のケアが大切です。

あまり雑にしておくと、喉を痛めてしまう原因にもなってしまいます。  

発声練習を行ったあと、歌ったあとなど、声を酷使したあとのケアの参考にしてください。

リップロールで下行５度スケールでクールダウン

「ソファミレドー」の音階で半音ずつ下行しながら、リップロールを行います。

広い音域を発声したあとは、声帯周りの筋肉が、かなり疲労した状態になっています。

スポーツと同じように、よく動かしたあとは、クールダウンを行って、筋肉の疲労を和らげてあげましょう。  

５TONE下行スケール

水分補給

声帯は粘膜なので、乾燥が一番の大敵です！

歌っている最中も大事ですが、歌い終わったあとも、しっかり水分補給をしましょう。

乾燥から喉を守ることが、一番の喉のケアにもなります。 普段から余計に声を使わないとか、マスクを用いて保湿を心がけることも効果的です。

６．まとめ

以上、高音を出しやすくするためのボイストレーニングのやり方を見てきました。  

もう一度、高音発声のポイントをまとめておくと、

高音発声はむやみに喉を力まない

高音発声は呼気量に余裕を持つ

高音発声は息漏れさせない

  そのためのボイストレーニング方法が

リップロールでポルタメントを行なう

鼻歌ハミングで歌のメロディラインをなぞる

「P」の発音でヘッドボイスを鍛える

「S」の息吐きで支えを強化する

「B」の発音でチェストボイスを強くする

自由に歌を歌うために重要な課題は「のどを自由に」。

「のどの力み」を改善して、はじめて思い通りの歌声を作っていくことができる、と言っても過言ではありません。

  華麗なテクニックばかりに目が奪われがちですが、どんな表現も「基礎」の部分がしっかりしてこそ、内面の感情が豊かな表現となって表出するものだと感じます。 

ボイストレーニングの基本を基礎から学習したい方は、

自宅ボイトレ(ボイストレーニング)やり方のコツ 発声の5ステップを意識する！　目次まとめ をご覧ください！

ステップ4までが基礎になるボイストレーニングになります。

ボイストレーニングで思うようような発声コントロールが行えるようになってきたら、次は歌唱トレーニングを通じてボーカルテクニックを磨いていきます。

１．ボイストレーニングにおいて「ボーカルテクニック」とは？

ボーカルテクニックは応用テクニックとなり様々な表現技法をマスターしていきます。

歌うことは、単にメロディラインを正確に歌うことだけではありません。

歌に感情が乗っかって、そこで初めて「自己表現」となります。

歌う中に、自由な感情表現を組み込むことができたら素晴らしいですよね？

これから、代表的な表現テクニックたちを挙げていきます。

２．ボーカルテクニック「ビブラート」

ロングトーンなどで一定時間、周期的にピッチを上下に揺らすテクニックです。
一秒に6回ほど揺れるのが理想的といわれている。

ビブラートには大きく分けて、

・一音一音にかける小さな「揺らぎ」のビブラート
・ロングトーンの後でかける波の大きなビブラート
の二種類がある。

ビブラートは歌唱テクニックのひとつですが、常にすべての音にかければいいというものではなく、曲調や詞の内容、表現を考慮して、ここは必要と感じるかけるべき箇所でかけられるのがベストです。

３．ボーカルテクニック「しゃくりあげ」

本来の音程より全音もしくは半音くらい下から本来の音程に合わせたり、上がる音程を手前の音と滑らかにつなげて出す歌唱テクニックです。

メロディラインの音のつながりが自然になり、聴き心地の良い歌声になりやすい。

しかし、少なからず本来の音程をアレンジしているので、多用しすぎると逆に聴き心地が悪くなるので、その部分も考慮すべきです。

４．ボーカルテクニック「フォール」

ロングトーンの語尾もしくはフレーズの語尾で音を滑らかに下げる歌唱テクニックです。

歌いきった感じの余韻や気持ちを込めて熱唱している感じを表現できる。

洋楽のロック歌手に多く見受けられますが、J-POPで多用するひとも増えてきた気がします。

たとえば、秦基博さんやミスチルの桜井さんなど、情感をうまく表現されるボーカリストがライブでよく使っています。

あまり上手でない人が使うと、息切れしているようで、逆に苦しい印象が出るので注意が必要です。

５．ボーカルテクニック「こぶし」

音程の変わりめ、もしくはロングトーンなどで一度だけ音を揺らすテクニックです。

古くは声楽でメリスマとも呼ばれています。

下行する音程で一度上げて、また元の音程に戻すやり方が一般的ですが、上行して下げてまた元の音程に戻したり、裏声にして地声に戻したりなど、様々な種類があります。

こちらも原曲を少なからずアレンジするので、あまり多用しすぎるとふざけて歌っているようで変な感じになります。

演歌歌手でよく見かけられます。

６．ボーカルテクニック「ファルセット」

一般的には裏声と同じ意味で捉えられていることが多いですが、厳密にいえば、「声帯閉鎖の緩い、整数次倍音の極めて少ない弱い裏声域の声」で、つまりは息っぽい弱い高音域の声。

感傷的な表現では歌声として効果的だが、歌のうまくない人が使うと、「高音が力強く出せない」「歌いきれていない」「歌唱力がない」と判断されやすいです。

たしかに、発声コントロールが上手くいっていないと、必要のない力みがあることにより、不安定なファルセットを見かけます。

J-POP歌手ではミスチルの桜井さんをはじめ、スキマスイッチの大橋さん、清水翔太さんが得意としています。

７．ボーカルテクニック「がなり（うなり）」

おもに低音で声帯閉鎖をしっかりした強く硬い声で、ドスが効いていて迫力がある音質です。

スキマスイッチの大橋さん(ゴールデンタイムラバーのサビ終わり)やワンオク(完全感覚Dreamerのサビ部分)などが得意としています。

８．ボーカルテクニック「ロングトーン」

1つの音を長く伸ばすこと。

発声時の呼気量が一定でないときれいなロングトーンを作ることができない(声が震えたり、ピッチが揺れたり、息が切れる)ため、ロングトーンが上手いボーカルは歌唱力が高いと判断されやすい。

ロングトーンがしっかり出る音域は発声もしっかりしていることも多いので、しっかりとした支えを伴った発声を確認しやすい。

ロングトーンの練習には「リップロール(リップトリル)」が効果的です！

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９．ボーカルテクニック「巻き舌」

ラリルレロのどれかを連発して特殊な発音をする。

ドイツ語の曲ではこれを用いる歌が結構あります。

タングトリルのやり方は舌を上あごにつけて「トゥルルルル」と発声してみる、このとき息を舌に強くぶつけ続けるつもりでやると保ちやすい。

１０．ボーカルテクニック「スタッカート」

ひとつひとつの音を切るように歌うこと。

歯切れの良さやテンポ、リズムに良い印象を与えることができます。

１１．ボーカルテクニック「シャウト」

裏声域で声帯閉鎖を強くし、甲高く発声すること。

発声方法を知らずに、無理やり出していると喉を傷めやすいので、ウォームアップを済ませてからトライしましょう。

The Beatlesのポール・マッカートニーなどでよく見られます。

１２．ボーカルテクニック「スクリーム」

Linkin Parkの「Given Up」などで聴かれるような、デスボイスや叫び声のことです。

かなり邪悪な声の調子です。

喉を痛めないデスボイスということで、フォールスコードスクリームという発声方法が安全性が高いです。

どんな感じかというと、通常のデスボイスのイメージだと喉を強く締めて、強引に息で声帯をこじ開けて生み出すイメージが大きいです。

フォールスコードスクリームの場合、「喉を使わない」という概念が重要です。スポンサーリンク

１３．ステップ５　表現　まとめ

代表的な歌唱テクニックであるボーカルテクニック例を紹介してきましたが、かなりの数ありますね！

これらを一曲の中にまぶしていくと、それは表現豊かな歌になることでしょう。

いきなり全てを取り入れることは難しいので、単体で確認してみて感覚がつかめたものから、ちょっとずつ楽曲に取り入れていくといいです。

ボーカルテクニックを練習していて、どうしてもうまくいかない場合は、大抵の場合、発声の土台である「呼吸」に問題があることがほとんどです。

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調音とは、構音とも呼ばれますが、一言で言うと「子音の発音を整える」ということです。

このあとの5ステップめの「表現」にも深く関わってくるので、しっかり理解を深めていきましょう！

１．ステップ4　調音

世界中には様々な言語が存在しますが、それぞれの言語に適した発音の作られ方があります。

例えば、母音は日本語だと「あいうえお」の５個ですが、英語だと２６個だったりとか。

お国によって、てんでバラバラです。

そこで、一つ覚えておいて欲しいのが、「発音は動き」であること。

何かというと、「子音は調音器官の中のいくつかの筋肉の動きによって、息を妨げることにより発音される」ということです。

なので、ある子音で　どこで何の筋肉がどのように動く　のかを覚えていくことが重要なのです。

２．滑舌を整える（子音の発音を整える）

主に、舌と唇の動きで子音は作られます。

滑舌を良くするためには、子音ごとの動きをマッピングする必要があります。

繰り返し反復練習することが、一番のトレーニングになります。

・滑舌良く言葉を発音するためには、正確な調音位置で発音を作ることが重要です。

・調音位置は前後関係で覚える！

・舌の形、動きにフォーカスしよう！

３．調音位置

上前歯裏に始まり、上あごをたどってのどの奥までに、いくつかの調音点と呼ばれる発音が作られる位置があります。

その範囲で、発音を作る位置が前後します。

たとえば、「サ」と「シャ」では、どちらが前に感じるでしょう？

答えは「サ」です。「サ」は歯茎音といって、前歯の隙間で息を妨げて作られます。

ちなみに「シャ」は、歯茎硬口蓋音といって、若干、前歯より後ろに奥まったところで作られます。

下は調音位置一覧表の主要な一部分です。
より詳細を学びたい方は、「国際音声記号」で調べると、より詳細な情報が出てきます。

しっかり発音を学習しようとすると、それこそ外国語を習得するようなほどボリューミーな分野です。

大変とはいえ、知っているのと知らないとでは、大きく違ってくると思うので、ちょっとずつでも学んでいきたいところですね！

４．滑舌トレーニング例

ほんの一例ですが、滑舌トレーニングの代表例です。

基本的な５０音の子音の並びの間に、「ら行」が挟まって舌の動きを鍛えるエクササイズです。

口の形は、はっきりと母音の形を作りつつ、舌をしっかり動かしましょう。

頭で深くブレスをして「まらみりむれめれもろ」までで一息でいき、２回めのブレスをして後半を一息で言い切る

これを、

１日１回、３週１セットとして、３０秒ほどインターバルを置いて３セット

やってみてください。

みるみると、発音がスムーズになっていきますよ！

からきりくるけれころさらしりするせれそろたらちりつるてれとろならにりぬるねれのろはらひりふるへれほろまらみりむるめれもろ

やらいりゆるえれよろがらぎりぐるげれごろざらじりずるぜれぞろだらぢりづるでれどろばらびりぶるべれぼろぱらぴりぷるぺれぽろ

５．ステップ4　調音　まとめ

歌では歌詞という言葉を歌います。

もちろん歌詞が聞き取りやすいというのは当然ですが、発音も含めた歌声のサウンド作りが重要です。

歌声の音作りまでが表現です。

歌詞の言い回しを含めた演出を施すことが、より楽曲の世界観を味わい深いものにしてくれるでしょう。

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共鳴とは、声帯で生み出された喉頭原音を増幅して、ある程度の音量を作り出します。

ダイナミクスレンジを広げるためにも、発声には豊かな共鳴が必要不可欠です。

ムダな力みを取り除いて、伸び伸びと思い通りに自身の声を自在に操りましょう！

１．ステップ３　共鳴

豊かな共鳴を生み出すには、自然な発声フォームと合わせて、声の方向性のイメージも大事になります。

発声イメージを明確にするためにも、自分のボーカルレンジ（声域）とボーカルレジスター（声区）をしっかりと把握しましょう。

そして、自由に広い音域を使えるようにトレーニングを進めましょう！

２．共鳴は声量を生む

・喉頭原音だけでは音量が小さいので、共鳴腔に声を響かせて、声の音量を増幅する

・３つの共鳴腔

共鳴腔とは、体の中にある声が共鳴する空洞部分です。
声帯が振動することにより生まれた声が、共鳴腔で共鳴することにより音量が増幅します。

口腔とは、口の中の空間

鼻腔、鼻の奥の空間

咽頭腔、鏡で見て見える範囲ののどの奥の空間

のどに余計な力みが無い状態であれば、音域によって共鳴を感じる場所が変わります。

これをボイトレ用語で、声が当たる場所ということで「アタリ」と呼ばれたりします。

歌っているときに、声の当て所を意識しながら練習すると、音程の動かし方がスムーズになります。

また声のサウンド作りに大きく関係していきます。

口腔は母音である「あいうえお」の音作りに影響します。

鼻腔は鼻に引っ掛けた声に影響します。

咽頭腔は声の深み、抜け具合に影響します。

３．共鳴を感じる位置

声域毎に共鳴を感じる体の部位が変化します。

人の声は大きく分けて、低音域、中音域、高音域の３つの音域に分かれます。

それぞれの音域の発声に名前がついています。

・３つの発声

チェストボイス（胸声）

低音域で胸部に響きを感じます。

普段、日常的に使っている話し声はチェストボイスがほとんどです。

たまに女性で声のトーンが高めの人は、ミックスボイスに入っている方も見かけられます。

声帯は完全に閉じた状態で、力強く息が通過するときに振動が生み出されます。

ミックスボイス（ミドルボイス）（中声）

中音域で、マスクといって顔面の中央部分に響きを感じます。

ミドルボイスといったり、ミックスボイスといったり、ボイストレーニングではもっとも混乱を招きやすい発声です。

これは地声、裏声の両方で発声できる音域になるので、発声のスタイルによってチェストボイスの感覚が強く感じる人も多いかと思います。

声帯の動作としては、声量を小さくした状態で上行していき、一回目の裏声に切り替わった音域です。

声帯の一部が触れている状態です。

ヘッドボイス（頭声）

高音域で頭頂部から後頭部にかけて響きを感じます。

合唱のソプラノのような甲高い裏声です。

声帯の動作としては、一回目の裏声に切り替わった後、さらに上行していき、息にパワーが必要になる二回目に切り替わった音域です。

声帯が完全に離れている状態です。

・声の方向性を意識しよう！

声帯を支点として、音域によって胸から後頭部にかけて180°方向性が変化するイメージを持つと、感覚としてつかみやすいです。

４．ボーカルレジスター（声区）を把握する

・ボイトレでは、その人が出すことができる音域の範囲であるレンジ（声域）と、その中で区切られるレジスター（声区）があります。

・またレジスターの移行の中で、ブリッジと呼ばれる換声点が存在します。上手くブリッジを移行できることが、スムーズな発声コントロールに繋がります。

・モーダルレジスター（チェストボイス、胸声、地声）

・ファルセットレジスター（ファルセット、ヘッドボイス、ミックスボイス（ミドルボイス）、裏声）

・ボーカルフライレジスター（エッジボイス）

・ホイッスルレジスター（ホイッスルボイス）

５．ステップ3　共鳴　まとめ

適切に共鳴を生み出すためには、とにかく「のどの力を抜く」ことが最重要です！

ただし、のどの力みを抜くとはいえ、適切な発声フォームを保つ必要があります。

そのために、唇周りの踏ん張り方や下顎の開き具合など、筋感覚を総動員して確認していきましょう。

ボイストレーニングの基本は

自宅ボイトレ(ボイストレーニング)やり方のコツ 発声の5ステップを意識する！　目次

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自宅ボイストレーニングのコツ

自宅での効果的なボイストレーニング方法について紹介しています。 ボイストレーニングを行なうにあたって、ぜひ知っておきたいトピックを紹介していきます。 日々のトレーニングに役立ててください！

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発声を整えることは、歌うために必要不可欠です。

発声を自由自在に操るためには、のど周りはリラックスして自由でなければなりません。

自分の喉の状態を明確に把握していきましょう！

１．ステップ２　発声

「声を作るもの「声帯」はどこにあるか知ってますか？」

首には喉仏がありますよね？

その中に「声帯」はあります。

自分の歌声を良くしたければ、とにかく自分の声を発するときの動きを細かく認識してください。

自分がどうしているのかも分からずに、自分の歌声をコントロールできるはずがありませんよね？

丁寧に確認していけば、必ず、自分の発声の癖が認識できます。

その上で、自分の歌声に対する判断基準を設定していきましょう！

２．声帯振動

発声とは呼気によって声帯が振動して、声のもとになる音を生み出す動作です。

ここでひとつ「良い声」について、定義付けておくと、

「自分が出していて気持ち良い声、他人が聴いていて心地よい声」

となります。

おそらく無理して発声していては、上のような声を作ることが難しいです。

あなたも無理してがなっている人の歌声を聴いて、心地よい気がしないでしょう？

僕の場合、ライブとかカラオケなどで、そのような歌い手に遭遇したときは、そっとお手洗いに消えます（笑）

もちろん、レッスンではどのような原因があってそうなっているのかを解明するために、じーっくりと耳を凝らしますが。

自然な発声とは、上半身上部、肩、首、のどに余計な力みが入っていない状態で生み出されます。

つまり、歌っている間中、上半身のリラックスを保ち続けることが重要です。

なので、発声トレーニングでがなっていては、全く正しい発声トレーニングではありません。

もしそのような発声トレーニングを生徒さんに強いているボイストレーナーと出会ったら、危険です！

即刻、のどを潰される前に離れるか、別のボイストレーナーの体験レッスンを受けましょう。

・発声とは始めに声帯振動により、声の元となる喉頭原音を生み出す

普段の声の高さで、「Mmm（ンーーー）」と軽く唸ってみてください。

それが「ハミング（声帯原音）」といって、これから声になり言葉になる元の音です。

・望ましくない喉頭位置（ハイラリンクス、ローラリンクス）

喉仏がある位置を喉頭（ラリンクス）といいます。

ハイラリンクスは、ラリンクスがハイ（高い）ので、喉頭が上がってしまっている状態です。

ローラリンクスは、ラリンクスがロー（低い）ので、喉頭が下がってしまっている状態です。

どちらも不自然にのどを力みすぎている状態です。

この状態だと、声帯を調節する筋肉の柔軟性が失われてしまいます。

それによりある音域が極端に発声しづらくなる、などの症状が出てきてしまいます。

・自然な喉頭位置

自然な喉頭位置は個人差もありますが、「おおおおーー！」と驚いたときの喉頭位置が、歌うときは丁度よいです。

ただ、これだと人によってはローラリンクス気味の状態の場合もあるので、飽くまでも、自然な喉頭位置を自分の中で見つけましょう。

簡単な確認方法は、手のひらで喉仏を覆ってください。

丁度いい位置に喉頭があると、親指と人差指の間の平の内側に喉仏を感じることができます。

この喉頭位置を保ったまま、「おー」の発声でポルタメントで音程を上がり下がりしてみましょう。

喉仏が大きく上がらずに発声できていれば、きれいな発声フォームが保たれている状態です。

３．声門閉鎖

良い発声時に声帯振動と合わせて行われているのが、適切な声門閉鎖です。

・声区によって、声帯の閉じ方が異なる。

声区については、また後ほど詳しく説明しますが、声門閉鎖の状態は３つに分けられます。

チェストボイス＝完全に声帯が閉じた状態

ミックスボイス・ヘッドボイス＝声帯の前側一部が閉じた状態

ファルセット＝声帯は閉じずに隙間がある状態

これらをスムーズに繋げようとすると、のどに力みが入った状態では、マジ困難です！

・地声≒甲状披裂筋

いわゆる地声とか表声とは、チェストボイスのことを指しています。

甲状披裂筋とは、かんたんに説明すると、声帯の厚みを調節する筋肉です。

もう少し詳しく説明すると、

・声帯同士を近づける
・弛緩させる
・形状を維持する

多くの人は、過剰に働かせてしまう筋肉で、あまりにも強いと「ガナリ声」になってしまい、聞くに堪えない声となってしまいます。

・裏声≒輪状甲状筋

裏声とは、ミックスボイス、ヘッドボイス、ファルセットのように完全に声門閉鎖していない発声を指します。

輪状甲状筋はかんたんに説明すると、声帯を前後に薄く伸ばす機能を持った筋肉です。

意識して声帯を薄く伸ばすという調節はほぼ不可能なので、高音域での喉頭のバランス感覚を覚えていくことになります。

ハイラリンクスの状態では、かなり調節が厳しくなるので、喉頭位置の保持はより正確性が必要になります。スポンサーリンク

４．ステップ２　発声　まとめ

声帯は、意識的に直接コントロールすることが難しいです。

適切な発声フォームを、喉頭周りの筋肉に覚えさせるという考えでボイストレーニングを行うことが重要です。

それこそ、スポーツのボールの投げ方とかバットの振り方とか、「軸をブらさない」という感覚が、ボイストレーニングにも共通する感覚です。

ボイストレーニングの基本は

自宅ボイトレ(ボイストレーニング)やり方のコツ 発声の5ステップを意識する！　目次

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