音楽を作るためには、音楽の基本的な構造を抑えておくと何かと便利です。

そこで、今日は「音楽の3要素」についてお話していこうと思います。

１．作曲するなら、ぜひとも覚えておきたい「音楽の3要素」とは

音楽の３要素とは、

メロディ
ハーモニー
リズム

の３つのことを言います。

この３つは、音楽が楽曲として成立するために、最低限必要なパーツになるということです。

２．メロディ・ハーモニー・リズムを細分化すると作曲が解る

さらにこの３つを細かく見ていくと、音楽つくりに必要な知識が明らかになります。

メロディ＝音程+リズム（+歌詞）＝曲のメッセージ・テーマ

メロディライン＝音程+リズムということになります。

ハーモニー＝コード進行+リズム＝曲の雰囲気

リズム＝テンポ、拍子、ジャンル

メロディ、ハーモニー、リズムそれぞれに、担当する音楽パーツが決まっていることになります。

これら３つの組み合わせで作曲することができ、これらを元にアレンジが施されていくという流れになります。

この音楽の３要素は音楽に関わり続ける限り、至るところで役に立つものなので、ぜひ覚えてしまいましょう！

３．作曲するということは「リズム」から逃れることはできない

作曲というと、ほとんどの人が「ドレミ」の音楽理論を覚えなきゃ!

みたく捉えているかもしれませんが、

作曲でもっとも重要なのは、リズムです！

音楽の３要素をみても、全ての要素にリズムが絡んでいるのが明らかです。

ということは、作曲上達の近道はリズムにあるのです。

４．リズムは「とんかつ・カツ丼・おてんば・ジーンズ」

いろんなリズムパターンに慣れるコツは、

リズムを読むこと

ひとつコレを覚えておくと、ハンパなく応用が効くリズムパターンがあります。

それが、

「とんかつ・カツ丼・おてんば・ジーンズ」

なのです。

楽譜でみてみるとこんな感じです。

それぞれ、音符の種類が２倍か１/２かの関係で、リズムの読み方はほぼ同じなのです。

さらに、任意の音符を休符に替えて、鳴らさなかったりするとバリエーションがドーンと増えます。

今まで聴いてきた音楽は、これらの組み合わせで作られていると言っても過言ではないくらいです。

リズムトレーニングも大事！

リズムパターンのバリエーションを多く持っていることは、作曲することにおいて大きなアドバンテージになります。

そのためにもリズムトレーニングはとても大事です。

リズムトレーニング教則本は、引き出しを増やすのに最適です。

様々な音楽ジャンルのリズムパターンを知ることによって、新しいアイデアも湧いてきます。

貪欲に多くのリズムパターンに触れていきましょう！

５．DTMなら「とんかつ・カツ丼・おてんば・ジーンズ」リズムからメロディを作曲してみる

①BPM（曲のテンポ）を決める

はじめに曲のテンポだけは、おおよそでいいので決めておきましょう。

目安として、

BPM60～80　スローテンポでバラード向き

BPM90～110　ミドルテンポで適度にノリが良い

BPM120～　アップテンポでタテノリ、EDMだとBPM128が多い

曲のテンポによって、曲全体の雰囲気やノリが決まってくるので、テンポの目安を参考にいろいろな曲を研究しましょう。

②一定のピッチで、リズムを入力する

ピアノロール画面を開いて、「とんかつ・カツ丼・おてんば・ジーンズ」を任意で組み合わせて、とりあえず一定の音の高さで入力します。

なぜ、音の高さを一定にするかというと、メロディの元になる「ノリ」を見つけやすくするためです。

この段階で、同時に音の高さの動きも見つけていこうとすると、混乱しやすいです。

③Keyを設定して、その音階内で音を上下する

ある程度、リズムが決まったら、タイミングをずらさないように、ノートを上下してずらしていきます。

あらかじめ曲のKeyは決めておきましょう。

とりあえず、CメジャーKey（ハ長調）でわかりやすいかと思います。

DAWソフトによっては、Keyのルートノート（主になる音）を決めて、スケールを選択して、音階上にスナップ（グリッドに吸着）させる機能があったりします。

注）僕が使用している、CAKEWALK SONARには「スケールにスナップ」機能が搭載されていました。

６．まとめ

作曲に慣れていくには、最初は可能な限り音楽的パーツを分解して、組み合わせの引き出しを増やしていくことが最善です。

ある程度、音楽的な引き出しが増えてくると、フレーズのノリとか動き方がイメージできるようになってきます。

慣れないうちは作曲はとても大変ですが、DAWによっては便利な作曲支援機能が充実していたりします。

たまにマニュアルやヘルプを眺めてみるというのも、便利機能を見つけるのに有効です。

「とんかつ・カツ丼・おてんば・ジーンズ」のアイデアはこちらの教則本からご教授いただきました。

最近「トラック」という言葉を音楽シーンのいたるところで聞かれます。
あまり耳になじみの無いかたもいると思いますので、はじめに説明しておきます。

１．音楽用語として使われる「トラック」とは

昨今、クラブミュージックというものが盛り上がってきて、一般化してきた言葉「トラック」でありますが、「楽曲」のことをあらわしています。

ただし、同じトラックという呼び方で、陸上競技の用語としても使われていますが、元をただせばここからきた言葉です。

１００Ｍ走とかって、選手たちは白線でわけられた自分のコース内を走っていきますよね。

音楽ＣＤなりを制作する場面では、さまざまな楽器をレコーディングしていきます。

楽器パートごとに、同じ時間軸上へ平行して複数の音を録音していくのです。

このようなことから、出来た楽曲を「トラック」というようになったのです。

関連記事：EDMの作り方　初心者向けトラック制作手順概要(DTM全般対応可)

２．AUDIOトラックとMIDIトラックは全く意味が異なる

これから皆さんはＰＣを使ってＤＴＭというものを用いて音楽をつくっていくのですが、たびたびトラックというものが登場してきます。

まず、確実に登場するのがＭＩＤＩトラックとＡＵＤＩＯトラックです。

よく意味を混同しがちな方もたくさんいらっしゃいますが、しっかり区別して理解しておきましょう。

関連記事：DTM作曲に活かす作曲本の決定版！一発で記憶に残る曲を作る！９つのルールとは？！

３．ＭＩＤＩトラックとは、主に演奏のさせ方、つまり楽譜の演奏情報を記録していくものです。

どのタイミングでどの音程を鳴らすかという具合ですね。

これをピアノロール画面などで、打ち込みしていくことが基本になります。

MIDI演奏情報を記録するのがMIDIトラックです！

代表的なMIDI演奏情報をいくつか紹介していきます。

ノート＝音符

デュレーション＝音符の長さ

ベロシティ＝演奏する強弱

ピッチベンド＝連続的なピッチ変化を調節する

コントロールチェンジ＝音色変化、サスティンペダル、エフェクト量などMIDI音源に対して、様々なコントロールを行う

この他にも、多くのことがMIDI演奏情報を使って、演奏を制御することができます。

関連記事：DTMにおいて、そもそもＭＩＤＩとは？③

４．ＡＵＤＩＯトラックは「生音」を記録していくものです。

歌声だとかギターなどの楽器、生の演奏を記録していくところです。

AUDIOトラックへは以下のような方法で演奏を記録していきます。

マイク入力＝ダイナミックマイクもしくはコンデンサーマイク等を用いて、歌や楽器を録音する

ライン入力＝オーディオインターフェイスへライン接続して、電気楽器や電子楽器を録音する

サンプリングデータ＝サンプリング音源素材などからWAV形式等でインポートする

トラックダウン＝MIDIトラックで作成した演奏をソフトシンセを通じて、指定したAUDIOトラックへ書き出す

およそ上記４種類の録音方法に沿って、AUDIOトラックへ音源を記録していくことになります。

関連記事：DTM音楽制作のコツ　サンプリングテクニックを用いてトラックメイキングする

５．まとめ

基本的にトラック制作中は、AUDIOトラック、MIDIトラックのいずれかをいじっていくことが多くなります。

是非、それぞれのトラックの性質を理解して、スムーズに作業を進めていきましょう！

前回は４・５・６パターンをぜひ覚えてください！

ということをお伝えしてきました。

１．EDM作曲コード進行でも役立つダイアトニックコードおさらい

なぜ、この４・５・６パターンを覚えてほしいかというと、

とても応用が利きやすいからです。

それを今回はお伝えしていきたいなと思います。

さて、前回ちらっとでてきたダイアトニックコードについて、

まずはもう一度おさらいしておきます。

たとえば、ＫＥＹ＝Ｃ,Ａｍの場合

Ｃ　　　Ｄｍ　　　Ｅｍ　　　Ｆ　　　Ｇ　　　Ａｍ　　　Ｂｍ－5

１　　　２　　　　３　　　　４　　　５　　　６　　　　７

でしたね。

それで、今回はさらに次のように覚えていただきたいのです。

Ｃ　　　Ｄｍ　　　Ｅｍ　　　Ｆ　　　Ｇ　　　Ａｍ　　　Ｂｍ－5

１　　　２　　　　３　　　　４　　　５　　　６　　　　７

Ｔ　　　ＳＤ　　　Ｔ　　　　ＳＤ　　Ｄ　　　Ｔ　　　（Ｄ）

Ｔ、Ｄ、ＳＤはそれぞれ、

Ｔ＝トニック

Ｄ＝ドミナント

ＳＤ＝サブドミナント

と読みます。

これをどのように扱うかというと、コードの機能といって役割別にグループ分けに用いられます。

Ｔ＝トニック　１・３・６

Ｄ＝ドミナント　５・（７）

ＳＤ＝サブドミナント　２・４

というようにグループ分けすることができます。

ここで覚えておきたいのが、

「同じグループのコードは、代理コードといって、いつでも置き換え可能」

これテスト出ますよ！

というのは冗談で＾＾

コード進行を組み立てる上で、非常に重要な法則になります。

２．EDM作曲コード進行には、どうしても４５６パターンを応用して欲しい！！

ということは、この４・５・６パターンだと、これ以外に

２・５・６

４・５・１

４・５・３

２・５・１

２・５・３

というバリエーションが作れるということです。

１・４・５はメジャーコードで明るい響きのコード

２・３・６・７はマイナーコードで暗い響きのコード

なので、組み合わせ方によって、聴こえ方の印象も異なるんですね。

それが、曲のイメージにも繋がっていて、表現したいテーマによって、

もっともしっくりくるコード進行パターンをあてがうことが可能になるのです。

３．まとめ

まずは、上に挙げた全ての組み合わせを、実際にＤＡＷへ打ち込んでみて、

耳で確認してください。

おそらく、それぞれ微妙に異なる雰囲気に感じられるのではないかと思います。

この４・５・６パターンの派生型まで慣れておけると、今後の音楽制作がかなりスムーズに

なっていくかと思います！

今回はStudio One Freeがトラブったときの対処法についてお伝えしていきます。

DTM入門者で最初にぶつかる問題で上位にくるのが、

「音が出ない！」

ある程度、DAWソフトに慣れてくれば自己解決できてしまうと思いますが、

DTMを始めたてのうちは何かトラブルが起こると、途端に思考停止に陥ってしまうものです。

１．DAWのトラブル解決方法

結果としては、単純に音が出ない状態になっているのですが、その原因は様々あります

かなりのおっちょこちょいさんだと、「オーディオインターフェイスの電源が入っていなかった」という話もちょいちょい耳にします。

DAWで音が出ない原因として、大きく３つの原因が考えられます。

２．オーディオインターフェイスの出力設定を確認する

・オーディオインターフェースの出力設定

まず、ミキサー画面のマスターバスの出力先を確認してあげます。

Studio One 3 Primeの場合は、メイン出力の部分ですね。

ここで接続されている、オーディオインターフェースのステレオ出力を選択します。

オーディオインターフェースを接続していない場合は、Realtek等のWindows標準サウンド出力が表示されます。

３．ＭＩＤＩデバイスの設定を確認する

・ＭＩＤＩデバイスの設定

入門者にとってややこしいのがＭＩＤＩの設定です。

ＭＩＤＩ信号は「音そのものではありません」

演奏情報のデータ通信がＭＩＤＩなのです。

詳しくは

ＭＩＤＩ機器の配線方法！

の記事もチェックしてみてください。

Studio One Freeで音を鳴らす場合は、ほとんどソフトウェア音源で鳴らすことが多いと思います。

外部ＭＩＤＩキーボードから音を鳴らす場合、Studio One FreeからそのＭＩＤＩキーボードが

見えている必要があります。

その設定を行うのが、オプションメニューの外部デバイスの設定になります。

４．ＤＡＷ上のルーティング（接続）の設定を確認する

・ＤＡＷ上のルーティング（接続）の設定

ＤＡＷ上での音の信号の流れは、必ず入力元と出力先まで一方向で音の信号が流れていきます。

そのために複数トラックをステレオ出力にまとめるためにミキサー画面があります。

各トラックへの入力元は、録音した歌や楽器、ソフトウェア音源、サンプル素材などのオーディオデータになります。

その途中でプラグインエフェクトをかけたりします。

それらが最終的にメインバスにまとめられて、オーディオインターフェースから出力されます。

もし、音が出ない場合はこれらの途中のどこかでデータが途切れてしまっていることが考えられます。

５．まとめ

まとめると、

・オーディオインターフェースの出力設定

・ＭＩＤＩデバイスの設定

・ＤＡＷ上のルーティング（接続）の設定

ほとんどの場合、いずれかが原因であることが多いと思います。

調子悪い！と感じたときは、ぜひ確認してみてください。

今回はドラムパートで打ち込んだビートに、コードパートをリズミカルに乗っけて、

そこにベースラインでノリを作っていく流れを紹介していきます。

作業手順として、

１．3連１６分グリッド（1/16Tクオンタイズ）で跳ねた感じのビートでいきます。

２．｜Ａｍ｜Ｆ｜Ｄｍ｜Ｄｍ/Ｇ｜というコード進行をエレピで打ち込みます。

３．ビートとエレピのノリを崩さないように、ベースラインを加えてグルーブを組み立てていきます。

ざっくりと、以上のような流れで進めていきます。

１．クオンタイズ設定で曲のノリを決める

１．クオンタイズ設定

Studio One ３ Primeではソングページ上部にスナップやクオンタイズなどの設定部分があります。

ここをクリックすることにより、スナップ設定と共にピアノロール画面のグリッド線の表示を、任意の音符単位に切り替えることができます。

※スナップ設定とは・・・ノートやイベントデータを移動するときに、拍の中のジャストのタイミングに吸着する機能です。

※グリッド線とは・・・ソング画面やピアノロール画面などで、タイミングの目安になる縦線のことです。

今回のビートは２０００年代初頭に登場した２ＳＴＥＰというジャンルのビートです。

３連１６分でシャッフルするような音の鳴り方になるので、独特な疾走感が生み出されます。

これを土台にコードとベースを乗っけていきます。

２．スムーズにコードパートを打ち込む

２．コードの打ち込み

全音符による白玉コードで鳴らしても、ビートがしっかりしていれば心地よいサウンドにまとまります。

さらに、ビートに絡み合うようにコードの構成音を分解して配置していくと、よりテクニカルな演奏フレーズにパワーアップします！

そこで、コードパートを打ち込むときのコツですが、

「先にベース音を打ち込む」

これ覚えておいてください。

コードパートだからといって、コードの構成音をむやみやたらに散りばめて鳴らせばよいというものではなく、「ハーモニー」をしっかり意識することにより、音楽的にかつ自然な感じでコードを鳴らすことができます。

ハーモニーとは和声と訳されますが、コード（和音）の動きを表しています。

声というのは人の声ではなく「声部」といってメロディラインみたいな音の連なりを指しています。

基本的なハーモニーは、外声と内声というものでできています。

高音域　メロディライン　←外声

中音域　コードを感じさせる音　←内声

低音域　ベースライン　←外声

このような音の積み重なりを意識してあげると、音痴な感じになるのを防ぐことができます。

３，意外な音色選びで個性を生み出す！

３．ベースラインをオルガン音色で打ち込む

意外とベース音色ではない音色でも、気持ちいいベースラインを作ることができます。

あまり常識に捉われすぎないことも、音楽制作では重要です！

ベースパートは、はっきり小節の頭を感じさせるように鳴らすことが基本です。

小節の頭がシンコペーションしていたら、同じくシンコペーションします。

とにかく、１拍目アタマはベース音を鳴らすことが基本です。

この感覚に慣れた上で、たまにずらしてみたりとかテクニックを使っていきましょう。

４．まとめ

十五年くらい前に流行ったジャンルとかでも、巡り巡って新鮮に聴こえたりもします。

古いものも新しいものも分け隔てなく、貪欲にインプットして上手く消化して、ぜひ、自分オリジナルなスタイルを確立していきたいですね！

実際にDAWソフトをインストールした後は、どんどん打ち込みを進めていきたいことと思います。

しかし、ドラム譜の読譜やピアノロールでのビートの打ち込みに慣れていないうちは、

なかなか打ち込み作業が遅々として進まなかったりもします。

１．ビート作りに慣れるコツ

ビート作りに慣れるコツとしては、「ビートの種類を把握する」ことが第一です。

ビートというのは、曲のリズムの土台になるので、

その曲の「ノリ」というものがビートのパターンによって決定付けられます。

基本的なビートのパターンの種類は、

・８ビート系

・16ビート系

・シャッフル系

・４つ打ち系

を基本としてバリエーションが作られていくことが多いです。

それぞれのビートの感じ方は、

８ビートとは、１小節の中で８分音符のノリを感じるパターンです。

１６ビートは、１小節の中で１６分音符のノリを感じるパターンです。

シャッフルとは、３連符の真ん中が省かれた跳ねたノリを感じるパターンです。

４つ打ちとは、キックが４拍子で鳴らされるパターンです。

２．ビートの特徴は目と耳で確認

このようにビート毎にそれぞれ特徴を持っているので、目と耳と両方で確認してください。

追々、このビートというのはドラムパートに限らず、「ビート感」として、

全ての楽器パートでも扱われます。

まずはリズムの要であるドラムパートで、しっかりそれぞれのノリの違いを覚えてください。

３．ビート作りの悪い例

よく見かける悪い例なのですが、１６ビートだからといってハイハットを１６分音符で埋めてしまうのは、いますぐやめてください。

ハイハットがチキチキチキチキと耳障りです。

あえてマシンビート感を出したいのであればいいのですが、それだけでは１６ビートらしさが出せません。

１６ビートで玄人感を出したければ、「リズムのヨコノリ」を意識してください。

これは何かというと、８ビートはどれだけがんばってもタテノリの色合いが強くなってきます。

そこに１６分ウラのノリが加わることにより、タテノリの間を縫う意外性が入ってきます。

ちょっと言葉だけでは伝えづらい部分なので、詳しくはまた改めてお伝えしていきます。

４．ビート作りの秘訣「視覚的な音の配置に慣れる」

最後に、ビートの打ち込みのときに心がけたいのが、「視覚的な音の配置に慣れる」ことです。

８ビートのノリになるノートの置き方、１６ビートを感じさせるノートの置き方など、

見た目と聴こえ方を頭の中でリンクさせながら進めていくのが、打ち込みに慣れる近道になります。

ドラムパートはドレミの知識はほとんど必要とせず、しかし、音楽的に音を鳴らすことが比較的容易なパートなので、

ＤＡＷの操作を慣れるには、絶好のトレーニングになります。

しばらくループ再生していても心地よく聴くことができるビート作りを心がけていきましょう！

今回はStudio One 3 Primeを使って、かんたんな打ち込みまで紹介していこうと思います。

前回、

DTM（デスクトップミュージック）で入門者や初心者が作曲するために　（１）必要なものは？

にて、Studio One 3 Primeのインストール手順の簡単な流れを確認しました。

ぜひ、インストールを済ませて、早速、打ち込みを始めていきましょう！

１．Studio One 3 Primeでの打ち込み手順

（動画はStudio One Freeの流れですが、操作手順はほぼ同じです。）

Studio One 3 Primeは無料版ながら、ソフトシンセ音源やエフェクトプラグインが一通りそろっています。

インストールを終えると、即打ち込みを始めることができます。

そこで、ざっくり打ち込みの流れについて説明していきます。

１．ブラウザからトラックへ音源プリセットを読み込む

２．空イベントを作成

３．ピアノロール画面でＭＩＤＩ打ち込み

４．各トラック毎にエフェクト処理

５．全体トラックをミキシング

６．ＷＡＶ等へミックスダウン

２．実際の作曲手順

作曲手順としては、

メロディ作り　+　オケトラック作り

のどちらか取り組みやすい方から始めます。

メロディラインが既に決まっているのであれば、メロディパートから打ち込んでいきましょう。

メロディラインが決まっておらず、漠然としたイメージから曲を作っていく場合は、

オケトラック作りから始め、徐々に全体の楽曲イメージを膨らませていくのがいいです。

ここらへんは、千差万別なので、ＤＴＭに慣れていく中で、自分なりの手順というのを確立していきましょう。

Studio One 3 Primeもそうですが、最近のＤＡＷはリアルタイム演奏性に優れているので、

ループ再生しながらでも、どんどん作曲のアイデアを試していくことが可能です。

３．ＤＴＭで作曲するために３つのポイント

最後に、「ＤＴＭで作曲するために３つのポイント」があるので、

しっかり、、頭に入れておいてください！

１．ＤＡＷソフトの操作を覚える

２．作曲に必要な音楽知識を蓄える

３．ミキシングテクニックの習得

この3本柱を育てていくことにより、自由にＤＴＭ音楽制作を行うことができるようになります。

なので、シンガーソングライターと比べて、ＤＴＭクリエイターは1曲オリジナルで演奏するにも、

覚えることが音楽全般に渡ってきます。

そのためにも、ぜひギターかキーボードはそれとなしに音出せるようにしておきたいものです。

後々、何か演奏できる楽器をひとつ持っておくと、ＤＴＭ音楽制作にかなり役立ちます。

４．DTMで入門者や初心者が作曲するために　(2)Studio One 3 Primeを使ってみる！　まとめ

イメージ通りに作曲できるようなるまでは、長い道のりかもしれませんが、

コツというのもけっこうあったりするので、近道もしながら楽しく上達していきましょう！

次回は、Studio One 3 Primeを使って作曲するために、まずデモトラックを制作していこうと思います！

ＤＴＭ（デスクトップミュージック）とは、机の上（デスクトップ）でＰＣ（コンピューター）を使って音楽制作（ミュージック）を行うことをいいます。

略して、ＤＴＭなんですね。

１．DTMを始めるために最低限必要なもの３点

まず、ＤＴＭを始めるにあたって悩んでしまうのが、

「最初に何をそろえればいいか？」

ということ。

最低限必要なものということであれば、

・ＰＣ

・ＤＡＷソフト

・ヘッドホン（モニタースピーカー）

この３点があれば、すぐに始められます。

２．快適なDTMライフに欠かせない音楽制作環境

いわゆる、音楽クリエイターであるサウンドクリエイターやボカロＰのように音楽制作したいとなると、

快適な音楽制作システムを構築すべきです。

それは何かというと、

・ＰＣ

・ＤＡＷソフト

・オーディオインターフェース

・ヘッドホン（モニタースピーカー）

・ＭＩＤＩキーボード

・ＭＩＤＩコントローラー

・マイクロフォン

・ギターなどの楽器

・ハードシンセサイザー

・アウトボードエフェクター（ラックマウント式のもの）

これ以外にも、創作意欲が高まる機材があれば、どんどん増えていきます（笑）

初めからこれだけそろえることができれば理想的ですが、

まだ、なんとなくしかわからない状態だと、かなりな冒険と感じてしまうでしょう。

３．無料DAWソフトを試してみよう！

そこで、お勧めなのが無料版ＤＡＷソフトから始めていって、

徐々にＤＴＭに慣れていき、ゆくゆくはあなたの制作スタイルに合わせた音楽制作システムを構築していくことです。

２０１４年現在、優れた無料ＤＡＷソフトがいろいろリリースされています。

その中でも、

PreSonus Studio One 3 Prime

というソフトが個人的におすすめです。

もちろん製品版のあるれっきとしたＤＡＷソフトなのですが、最後発のＤＡＷソフトとして、

無料体験版というグレードながら、一連の音楽制作が一通り楽しめるスペックを持っています。

初心者の方だとインストールが結構苦手だったりすると思いますが、

きちんとした手順を押さえれば、どんなアプリケーションソフトでも大体同じ作業なので、

今後の楽しい音楽制作ライフのためにも、ぜひチャレンジしていってほしいです！

４．Studio One 3 Primeのインストール手順

インストール手順は

１．https://www.mi7.co.jp/products/presonus/studioone/prime/にてインストーラーを入手

２．プログラムをインストール

３．インストゥルメントパックをインストール

４．オーディオデバイス設定

５．打ち込み開始

ざっと、こんな流れで音楽制作の準備を済ませてしまえます。

５．DTMで入門者や初心者が作曲するために　（１）必要なものは？　まとめ

現在、多くのフリーDAWソフトだったり、高機能な試用版DAWソフトが試せます。

早速、PreSonus Studio One 3 Primeをダウンロードしてインストールして、

楽しい音楽制作の毎日を始めていきましょう！

みなさん音楽制作はいかがお過ごしでしょうか？

イメージ通りにトラックメイクできていますか？

今日はリアルなドラム打ち込みのコツをお伝えしていきたいと思います。

１．ベロシティにこだわる！

まずドラム演奏でリアリティを出すコツは、

とにかくベロシティにこだわるということです。

ノートのタイミングをずらしたりして、グルーブ感を出していくのはそのあとの作業です！

まずは、動画でどのようにエデイットしていくかを、

確認してみてください。EDM作曲のコツ　打ち込みでもリアルなドラムトラックの作り方の基本 By FL STUDIO

どうでしょう？

ノートをズラさなくても、ドラマーが叩いてる感が出てきたことないですか？

２．オモテ拍とウラ拍の強弱の付け方が重要！

基本はハイハットのオモテ拍、ウラ拍の強弱の付け方が、

肝になってきます。

はじめはキックとスネアはベロシティは特にバラけさせなくても、あまり影響はありません。

ベロシティの編集に慣れてきたら、より全体的なエディットに入っていけばいいと思います。

３．ゴーストノートでグルーブ感を増幅！

あとはスネアのゴーストノートを積極的に入れていくと、よりグルーブ感が増していきます。

ゴーストノートは、音が鳴っているのを、微かに聞こえるぐらいのベロシティで打ち込むことをいいます。

リズムパターンの尺としては、基本的に２小節パターンで考えていって、

その２小節周期で、若干ゴーストノートのタイミングをずらしたりすると、

さらに生ドラム感がアップします。スポンサーリンク

４．DTMでのリアルなドラムの打ち込み方について　まとめ

とにかく、リアルなドラムを聴かせたいと思ったら、まずベロシティのエディットに、

深くこだわっていってください。

量をこなしながら研究していくと、かならず自分の好きなノリというのがわかってくると思います。

それが、８ビートなのかもしれないし、１６ビートなのかもしれないし、

自分のノれるビート、好きな心地よいグルーブというのを見つけていってください。

ここが確立されてくると、音楽制作において、かなり自信がついてくると思います。

自分はドラムを叩いたことがわからないとかではなく、

打ち込みを通じて、世のドラマーが何をしているのか理解を深めていくという姿勢が、

ドラム打ち込み上達の秘訣だと思います！

むやみにスキップしようとせず、しっかり向き合って、ぜひ気持ちいいビートを生み出していきましょう！

今回はEDM音楽制作において、レイヤーを活用してサウンドに音圧を出す方法をお話していきます。

最近のソフトシンセですと、一台でも十分な音圧を出してくれるものもたくさん出てきました。

しかし、よりオリジナリティを持ったサウンドで音に厚みを出したいと思ったら、

複数のシンセをレイヤー（重ねて鳴らす）することにより、予期せぬ音色合成が生まれたりします。

１．シンセ音をレイヤーする理由

ＭＩＤＩが誕生した直後は、多くのキーボーディスト達が、こぞって複数のハードシンセサイザーをＭＩＤＩ接続して、

個性的なサウンドをたくさん生み出しました。

代表的なものだと、ピアノストリングスとかわかりやすいと思います。

バラードソングでピアノ伴奏が主体だけれども、ストリングスサウンドも混ぜたいみたいなことも、

ＭＩＤＩのしくみにより容易になりました。

それが現在では、ＤＡＷ上でＰＣ能力の許す限り無限にレイヤーできるのですから、

テクノロジーの進歩というものはスゴイですね！

さて本題に戻ろうと思いますが、複数のサウンドを重ねるときいくつかポイントがあるので、

いまから紹介していきたいと思います。

２．異なる波形をレイヤーする

シンセサイザーのオシレーターには音作りするためのいくつかの元波形がプリセットされています。

代表的なものは、

• サイン波
• ノコギリ波
• 三角波
• パルス波

などがあります。

ここではシンセリフやメロディを鳴らすパートとして考えていきます。

複数のシンセをレイヤーするときに、まず上記の波形のどれをメインとしたサウンドかを確認することが重要です。

同じ系統の波形を重ねても、マスキング効果といって、波形と波形が相殺されて、逆にサウンドが引っ込んだ感じになってしまいます。

異なる系統の波形だと、補完し合うのでよりサウンドが広がります。

なので、複数のシンセをレイヤーする場合、まずどんな元波形をエディットしたサウンドか見極めてください。

３．メインになるシンセを決める

１台のシンセでの音作りでもそうなのですが、まずメインとしてサウンドの土台とする音を決めます。

そして、できる限りその音のボリュームは触らないでください。

メインに重ねていくシンセ側のボリュームで音の混ざり具合を調整していくのです。

このやり方によって、音作りで迷うことがかなり減らせると思います。

もしどうしても気に入ったサウンドになっていかない場合は、もう一度始めから、

メインのシンセのサウンドを探すところからやり直してあげます。

この手順を続けていくうちに、どんなサウンドを混ぜ合わせるとイメージするサウンドに近づいていくか、

徐々にコツがつかめてくるようになります。

４．各シンセトラックをバスに立ち上げてリミッターをかけておく

これ以外と重要です。

ＤＡＷで音楽制作するにあたって、常に付きまとってくるのが「オーバークリップ」。

オーバークリップというのは、ヘッドルーム以上の音量が入力されることにより、

音が歪んでノイズが乗ってしまうことです。

特にデジタル化されたオーディオ信号を取り扱っているＤＡＷだと、それが起こると致命的です。

複数のシンセをレイヤーするということは、音量が足し算で増えていくことでもあるので、

オーバークリップが起こりやすい場面でもあります。

そこでオーバークリップを防いでくれるのが、リミッターです。

リミッターの役割は、音量の上限を設定して、どんなに大きな音量が鳴っても、その設定値以上いかなくすることです。

リミッターが効く状態でシンセをレイヤーしていって、もしも音が歪んできたら、

それはかなり音量が足し算されている状態になっています。

もしそうなったら、各シンセのボリュームを均等に-6ｄＢとか下げてあげます。

それで気持ちよくサウンドが混ざったらＯＫです。

とにかく、シンセをレイヤーしていく際はレベルメーターをまめにチェックしましょう。

５．EDM シンセをレイヤーして音圧を出す　まとめ

かなりざっくりしてますが、シンセサウンドのレイヤーとしては、ここら辺を意識して行っていくと、

逸脱し過ぎずに音作りを進めていけるのではないかと思います。

ぜひここで挙げた手法を活用して、あなただけのオリジナルシンセサウンドを生み出してください！